Fernando Peixoto 
Em Cena Aberta 

Fernando Peixoto 
Em Cena Aberta 
Marilia Balbi 

IMPRENSA OFICIAL

São Paulo, 2009 

GOVERNO DE SÃO PAULO
Governador José Serra

Imprensa Oficial do Estado de São Paulo
Diretor-presidente Hubert Alquéres

Coleção Aplauso 
Coordenador Geral Rubens Ewald Filho 


Apresentação 
Segundo o catalão Gaudí, Não se deve erguer monumentos aos artistas porque eles já o fizeram com suas obras. De fato, muitos artistas são imortalizados e reverenciados diariamente por meio de suas obras eternas. 
Mas como reconhecer o trabalho de artistas geniais de outrora, que para exercer seu ofício muniram-se simplesmente de suas próprias emoções, de seu próprio corpo? Como manter vivo o nome daqueles que se dedicaram à mais volátil das artes, escrevendo, dirigindo e interpretando obras-primas, que têm a efêmera duração de um ato? 
Mesmo artistas da TV pós-videoteipe seguem esquecidos, quando os registros de seu trabalho ou se perderam ou são muitas vezes inacessíveis ao grande público. 
A Coleção Aplauso, de iniciativa da Imprensa Oficial, pretende resgatar um pouco da memória de figuras do Teatro, TV e Cinema que tiveram participação na história recente do País, tanto dentro quanto fora de cena. 
Ao contar suas histórias pessoais, esses artistas dão-nos a conhecer o meio em que vivia toda uma classe que representa a consciência crítica da sociedade. Suas histórias tratam do contexto social no qual estavam inseridos e seu inevitável reflexo na arte. Falam do seu engajamento político em épocas adversas à livre expressão e as consequências disso em suas próprias vidas e no destino da nação. 
Paralelamente, as histórias de seus familiares se entrelaçam, quase que invariavelmente, à saga dos milhares de imigrantes do começo do século passado no Brasil, vindos das mais variadas origens. Enfim, o mosaico formado pelos depoimentos compõe um quadro que reflete a identidade e a imagem nacional, bem como o processo político e cultural pelo qual passou o país nas últimas décadas. 
Ao perpetuar a voz daqueles que já foram a própria voz da sociedade, a Coleção Aplauso cumpre um dever de gratidão a esses grandes símbolos da cultura nacional. Publicar suas histórias e personagens, trazendo-os de volta à cena, também cumpre função social, pois garante a preservação de parte de uma memória artística genuinamente brasileira, e constitui mais que justa homenagem àqueles que merecem ser aplaudidos de pé. 
José Serra 
Governador do Estado de São Paulo 

Coleção Aplauso 
O que lembro, tenho. 
Guimarães Rosa 
A Coleção Aplauso, concebida pela Imprensa Oficial, visa resgatar a memória da cultura nacional, biografando atores, atrizes e diretores que compõem a cena brasileira nas áreas de cinema, teatro e televisão. Foram selecionados escritores com largo currículo em jornalismo culturalparaesse trabalho em que a história cênica e audiovisual brasileiras vem sendo reconstituída de maneira singular. Em entrevistas e encontros sucessivos estreita-se o contato entre biógrafos e biografados. Arquivos de documentos e imagens são pesquisados, e o universo que se reconstitui a partir do cotidiano e do fazer dessas personalidades permite reconstruir sua trajetória. 
A decisão sobre o depoimento de cada um na primeira pessoa mantém o aspecto de tradição oral dos relatos, tornando o texto coloquial, como se o biografado falasse diretamente ao leitor. 
Um aspecto importante da Coleção é que os resultados obtidos ultrapassam simples registros biográficos, revelando ao leitor facetas que também caracterizam o artista e seu ofício. Biógrafo e biografado se colocaram em reflexões que se estenderam sobre a formação intelectual e ideológica do artista, contextualizada na história brasileira. 
São inúmeros os artistas a apontar o importante papel que tiveram os livros e a leitura em sua vida, deixando transparecer a firmeza do pensamento crítico ou denunciando preconceitos seculares que atrasaram e continuam atrasando nosso país. Muitos mostraram a importância para a sua formação terem atuado tanto no teatro quanto no cinema e na televisão, adquirindo, linguagens diferenciadas – analisando-as com suas particularidades. 
Muitos títulos exploram o universo íntimo e psicológico do artista, revelando as circunstâncias que o conduziram à arte, como se abrigasse em si mesmo desde sempre, a complexidade dos personagens. 
São livros que, além de atrair o grande público, interessarão igualmente aos estudiosos das artes cênicas, pois na Coleção Aplauso foi discutido 
o processo de criação que concerne ao teatro, ao cinema e à televisão. Foram abordadas a construção dos personagens, a análise, a história, a importância e a atualidade de alguns deles. Também foram examinados o relacionamento dos artistas com seus pares e diretores, os processos e as possibilidades de correção de erros no exercício do teatro e do cinema, a diferença entre esses veículos e a expressão de suas linguagens. 
Se algum fator específico conduziu ao sucesso da Coleção Aplauso – e merece ser destacado –, é o interesse do leitor brasileiro em conhecer o percurso cultural de seu país. 
À Imprensa Oficial e sua equipe coube reunir um bom time de jornalistas, organizar com eficácia a pesquisa documental e iconográfica e contar com a disposição e o empenho dos artistas, diretores, dramaturgos e roteiristas. Com a Coleção em curso, configurada e com identidade consolidada, constatamos que os sortilégios que envolvem palco, cenas, coxias, sets de filmagem, textos, imagens e palavras conjugados, e todos esses seres especiais – que neste universo transitam, transmutam e vivem – também nos tomaram e sensibilizaram. 
É esse material cultural e de reflexão que pode ser agora compartilhado com os leitores de todo o Brasil. 
Hubert Alquéres 
                    Diretor-presidente Imprensa Oficial do Estado de São Paulo 

Introdução 
Fernando Amaral dos Guimarães Peixoto é dire-tor, ator, ensaísta, crítico de teatro, jornalista, tradutor, escritor. Nasceu em 19 de maio de 1937, em Porto Alegre, Rio Grande do Sul, Brasil. Gaúcho, conquistou São Paulo, o Brasil e o mundo. Participou de momentos históricos e decisivos da cultura brasileira. Foi ator na companhia de Maria Della Costa, na de Tônia-Autran-Celi; da primeira turma do Teatro Oficina e diretor de peças antológicas escritas por Augusto Boal e Gianfrancesco Guarnieri, como Murro em Ponta de Faca e Ponto de Partida, que lhe deu o Prêmio Molière da Air France em 1973. Tempos de censura aos artistas e jornalistas, quando a polícia torturava amigos, rebeldes, comunistas. Era da ditadura, quando nossos brilhantes artistas arrumavam brechas para driblar a censura e passar sua mensagem de reflexão, por meio do teatro. 
Fernando Peixoto também dirigiu shows que marcaram época, como no histórico 1º de Maio do Riocentro, quando o feitiço voltou-se contra 
o feiticeiro e as bombas armadas para impedir a realização do show explodiram no colo dos militares que queriam sabotar o espetáculo. Shows que reuniam a nata da nossa música popular brasileira. Ele fez parte dessa frente com Chico Buarque de Hollanda, Gil, Caetano, Ruy Guerra, Zé Celso, Guarnieri, Othon Bastos, Martha Overbeck e muitos outros na luta pela abertura democrática. 
Organizado, tem tudo registrado no seu arquivo abarrotado de pastas com recortes de jornais, folders de peças, libreto de óperas que ele encenou. Seu apartamento no Brooklin, em São Paulo, respira teatro, com a memória dependurada nas paredes, cartazes das peças famosas que dirigiu, fotos de momentos históricos da sua carreira como ator, encenador e jornalista, como a que entrevista Marlene Dietrich, no auge de sua carreira, para o jornal Correio do Povo, em Porto Alegre. Nas pastas, a lista de artigos para jornais da resistência como Opinião e Movimento, etc. São centenas de artigos publicados no exterior, participações em festivais de teatro e cinema, membro de júri em festivais ou concursos, tradutor de artigos e livros, verbetes de enciclopédia, prefácios de livros, responsável pela edição de diversos livros. São mais de 500 livros que citam seu trabalho, mais de 100 teses sobre ele, ou de artigos e estudos sobre teatro brasileiro e o teatro de Brecht. 
Na estante de livros, tudo sobre o teatro brasileiro, muitos de sua autoria, como: Um Teatro Fora do Eixo, Teatro em Questão, Teatro em Mo
vimento, Teatro em Pedaços, Teatro em Aberto, Brecht – Vida e Obra, Maiakovski – Vida e Obra, Sade – Vida e Obra, Ópera e Encenação, Brecht: uma Introdução ao Teatro Dialético, Hollywood: Episódios da Histeria Anticomunista, Büchner, Teatro Oficina: Trajetória de uma Rebeldia Cultural e O que é Teatro? 
Apesar de todo saber, Fernando Peixoto é um homem simples e elegante, em suas impecáveis Guayaberas (camisas cubanas), fala da luta pela liberdade de expressão, de um tempo de criatividade e da emoção por tudo que passou nestes 50 anos de teatro brasileiro. 
Foi um desafio, no auge da ditadura era secundarista, e acompanhei depois como jornalista a trajetória desta frente que lutou pela democracia em nosso país. Admiração pela resistência em um tempo difícil, mas de esperança no futuro! 
Foram várias tardes de sábado, domingo, que renderam muitas horas de gravação. Valeu a pena! Claro que sua vida daria vários livros da coleção. Mas não poderia faltar Fernando Peixoto, nem muitos aplausos! 
Fernando Peixoto foi coordenador do festival da Universidade de Blumenau, participa da Comissão de Seleção do Prêmio Gerd Bornheim, da Secretaria Municipal da Cultura de Porto Alegre, que escolhe os melhores trabalhos do teatro brasileiro; do Conselho Artístico do Grupo Folias d’Arte e membro fundador e da direção da Eitalc – Escola Internacional de Teatro da América Latina e do Caribe. Trabalha no setor de Artes Cênicas da Funarte – Ministério da Cultura. Foi o organizador do livro de Yan Michalski, crítico de teatro do Jornal do Brasil. 
Marilia Balbi 
Capítulo I 

Primeiro o Cinema, depois o Fascínio pelo Teatro 
Não tinha interesse nenhum por teatro, meu negócio era cinema. Toda a minha formação intelectual e mesmo social e política foi por meio do cinema: o cinema mudo, as exibições de filmes norte-americanos, o cinema soviético. 
Iniciei como ator com 16 anos em 1953 e como jornalista e crítico aos 19 anos. Minha geração estava conscientemente empenhada na luta por um determinado tipo de teatro e pela defesa de certos valores cênicos que então julgávamos os únicos corretos para o processo cultural nacional. A princípio o modelo era o Teatro Brasileiro de Comédia, depois o ideal passou a ser o trabalho desenvolvido em São Paulo pelo Teatro de Arena. Comecei a fazer teatro porque queria fazer cinema. Em Porto Alegre não havia outra opção como ponto de partida para chegar ao cinema. Acabei mergulhando no teatro até o pescoço. Quando garoto detestava o teatro. Mas meus pais insistiam para que fosse assistir aos espetáculos, mas eu resistia. Para mim o teatro era velho e definitivamente superado. Eu passava tardes e noites mergulhado, hipnotizado, naquilo que para mim resumia o sentido de tudo: o cinema. 
Lembro de alguns espetáculos que vi, quase forçado, no cenário apenas um sofá no meio de paredes pintadas, gente se mexendo num espaço ridículo: uma afetação irritante, falando coisas que não me diziam respeito. O cinema, ao contrário, me estimulava. Assim como os livros. Os romances de Érico Veríssimo me fascinavam, antes mesmo de nos tornarmos amigos. A literatura norte-americana também, como Steinbeck, Hemingway, John dos Passos, Faulkner. Mas bem cedo descobri que o filme era mais que um depósito generosos de emoções fortes. A minha vontade de conhecer o cinema por dentro me levou às páginas da Cena Muda, onde as críticas de Alex Vianny me abriram os olhos. Depois descobri dois livros que se transformaram numa bíblia sagrada: O Cinema – sua Arte, sua Técnica, sua Economia, de Georges Sadoul, e o Tratado da Realização Cinematográfica, de Kulechov. 
Finalmente, um dia, uma notícia de jornal me levou à minha universidade: ao Clube de Cinema de Porto Alegre. E uma retrospectiva do cinema clássico me apresentou os clássicos: Eisenstein, Pudovkine, Griffith, Buster Keaton, Dziga Vertov, Sjöstrom, entre outros. Nasceu a decisão definitiva: chegar ao cinema. E a necessidade do caminho: fazer teatro. 
Fiquei Fascinado pelo Espetáculo 
Um dia uma tia chegou lá em casa e disse que estava com entradas para assistir a uma peça e eu disse não vou, vou ao cinema. Acho que tinha 16 ou 17 anos. Não queria ir, ela disse que era de uma associação beneficente. Fui obrigado a acompanhar a tia. A peça se chamava A Verdade de Cada Um, de Pirandello. Acho que descobri ali a minha verdade. Fiquei fascinado pelo espetáculo. Comecei a frequentar. Logo em seguida, o Colégio Anchieta, onde estudava, resolveu fazer uma peça e o padre me convidou para participar. A peça era Os Holandeses no Brasil, do padre José Solari, em 1953. Fiz uma pequena participação, mas foi importante para mim. Num dos primeiros ensaios sofri bastante, porque fui obrigado a sacrificar uma oportunidade única de assistir, uma sessão especial de Adúltera (Le Diable aux Corps), de Duvivier, filme com Gerard Philippe. 
Naquele ano que vi a peça A Corda, de Patrick Hamilton, que estava em cartaz no Teatro do Estudante, passei a frequentar sempre o teatro. Quando a peça foi viajar, um ator que não podia viajar me pediu para substituí-lo. Já estava ligado ao grupo, ajudava na bilheteria, vendendo o programa, ficava na porta cortando o ingresso. O ator que não podia viajar era o Abujamra, incrível! Minha estréia então como ator foi em cidades do interior e depois em uma participação pequena em O Noviço, de Martins Pena. Mais tarde, eu e o Abujamra saímos deste grupo e fundamos o Teatro Universitário, em Porto Alegre. Depois trabalhei com outros grupos e só em 1963 vim para São Paulo. 
O Teatro do Estudante era um grupo muito importante. Já havia produzido muitos espetáculos e revelado atores famosos que deixaram Porto Alegre e foram trabalhar em São Paulo e no Rio, como Walmor Chagas e José Lewgoy, entre outros. Nós saímos desse grupo e fundamos 
o Teatro Universitário da UEE (União Estadual de Estudantes) e estreamos com Feliz Viagem a Trenton, de Thornton Wilder. No grupo estávamos Abujamra, eu e muitos outros. E outros que também saíram do Teatro do Estudante, organizaram outro grupo: o Clube de Teatro. 

Capítulo II 
Memórias do Teatro 

Um Intruso Determinado 
O movimento teatral em Porto Alegre sempre foi muito grande, com diretores de São Paulo e do Rio de Janeiro dirigindo peças por lá. Essa peça em que trabalhei, A Corda, dirigida pelo Sílva Ferreira, foi minha estréia para valer no teatro, em 1954. Um ano antes, participei no colégio Anchieta, em Porto Alegre, a encenação de Os Holandeses no Brasil, do padre José Solari. 
Foi em 18 de novembro de 1953, quando me aproximei como intruso, com a intenção de participar do grupo que estreava a peça A Corda (The Rope), de Patrick Hamilton, um texto policial-psicológico sobre um crime cometido por homossexuais como exercício intelectual de ato gratuito, peça que Alfred Hitchcock filmou com grande sucesso e que ficou conhecida como 
o Festim Diabólico. Assisti à estréia com a certeza de que aquele universo seria também meu. Olhava fascinado para os intérpretes. Me aproximei para ficar: voltei no dia seguinte e no dia seguinte. Conhecia alguns integrantes ou amigos do grupo, pois eram assíduos frequentadores, como eu, das sessões do Clube de Cinema, que formou a todos nós, e também estavam sempre na biblioteca e no bar do Instituto Cultural Brasileiro-Norte-americano, onde muitos de nós estudávamos inglês e todos vivíamos mergulhados nos livros e revistas. 
Passei a vender o programa da peça, colar cartazes nas ruas, vender ingresso na porta. Surgiram novos e eternos amigos, como Abujamra e Cláudio Heemann. 
Quando substituí o Abujamra, durante a excursão da peça pelo interior do Rio Grande do Sul, os jornais noticiaram que um vagão do trem carrega teatro. Apresentamos a peça em Cachoeira, Santa Maria, Alegrete, Uruguaiana e Livramento. Foi nessa viagem que vi o custo de uma produção teatral. Propus procurar o secretário do governador, que não conhecia, para buscar patrocínio para a nossa viagem. 
Contei-lhe das nossas dificuldades em levar o Teatro do Estudante para representar em cidades do interior. Ele prontamente nos deu transporte. Fui mais adiante, sugeri que o problema da hospedagem estaria resolvido, caso a viação férrea nos cedesse um vagão-leito, onde nos alojaríamos durante o percurso. Ele prometeu pedir o vagão ao diretor da estrada de ferro. Estávamos com sorte, a condução e a hospedagem estavam garantidas. 
Faltavam a comida, a propaganda e os locais para as apresentações. Um dos atores seguiu viagem, visitando as diversas cidades por onde passaríamos. As prefeituras locais e as agremiações estudantis garantiram as duas primeiras. Os cinemas, entretanto, exigiam 50% da renda bruta de cada noite. Mas não havia outro jeito e aceitamos. 
Foi uma aventura alucinante, em plena adolescência, com episódios inesquecíveis. Em Uruguaiana fizemos uma récita de O Noviço, de Martins Pena em praça pública e mais de 3 mil pessoas foram nos assistir. 
Mas foi nessa viagem que comecei a ler e a estudar seriamente o teatro. Na volta o Teatro do Estudante entra em crise e surgem três grupos novos: a Comédia da Província, o Teatro Universitário da União Estadual de Estudantes e o Clube de Teatro da Federação de Estudantes Universitários do Rio Grande do Sul. Fui para o Teatro Universitário, onde participei de três peças em 1955: Feliz Viagem a Trenton, de Thornton Wilder, direção de Carlos Murtinho; O Muro, de Jean-Paul Sartre, direção de Carlos Murtinho; e Uma Mulher e Três Palhaços, de Marcel Achard, direção de Silva Ferreira. 
O Teatro Universitário se transformou em centro do movimento teatral gaúcho. Uma Mulher e Três Palhaços imediatamente alcançou significativa repercussão cultural e social. Foi o atestado de maioridade do grupo, com a imprensa elogiando o grupo, a sobrevivência do Teatro Universitário é uma necessidade para Porto Alegre. Uma idéia minha, do Abujamra e de nosso pessoal. 
Durante os preparativos de O Muro enfrentamos um divertido incidente religioso: os ensaios eram realizados no palco da Pontifícia Universidade Católica, no mesmo prédio do Colégio Rosário, onde eu e o Abujamra estudávamos. Os padres ficaram sabendo pela imprensa que o grupo preparava uma peça de Sartre e inúmeras vezes apareciam nos bastidores procurando nos surpreender, mas tínhamos sorte, porque sempre encontrávamos tempo para alterar o texto na hora em que a batina aparecia. Enquanto isso éramos chamados para conversas particulares, nos advertindo que encenar Sartre significava a excomunhão... 
Em 21 de maio de 1956 sai publicado no Diário Oficial a relação dos sócios-fundadores do Teatro Universitário: Antonio Abujamra, Fernando Peixoto, Maria de Lourdes Queiroz de Castro, Luzia Mello, Nilton Carlos Scotti, Armando Piazza Filho, Sergio Angelo Pretto, Lígia Dariano, Laís Guimarães, José Antonio Moraes 


de Oliveira (Killer), Walter Bock, Roney Gazola e Vinicius Salvatori, todos brasileiros, solteiros e estudantes universitários. 
Nessa data já estava entre os universitários: começava a estudar no primeiro ano da Faculdade de Direito de URGS... 
Enquanto nossa cidade fechava o ano teatral com chave de ouro, nosso país atravessava momentos difíceis: um golpe militar tentou impedir a posse de Juscelino Kubitschek, mas foi desarticulado; Nelson Pereira dos Santos filmava Rio 40 Graus, dando início ao Cinema Novo no Brasil; era fundado o Iseb (Instituto Superior de Estudos Brasileiros), que teria uma significativa influência no movimento do Centro Popular de Cultura na década de 60; e na Europa era organizado o Pacto de Varsóvia, para fazer frente ao militarismo capitalista da Otan, instante decisivo da Guerra Fria. 
O Crítico de Teatro 
Carlos e Olga Reverbel, meus amigos, e também 
P.F. Gastal, jornalista e presidente do Clube de Cinema, inventaram esta história de me colocar como crítico de teatro. Foram oito anos de jornalismo diário em Porto Alegre. Com o casal Reverbel fui muitas vezes à casa de Érico Verís
simo. Minha primeira coluna no Suplemento Literário do Correio do Povo, em Porto Alegre, foi publicada em setembro de 1956. O suplemento literário só tinha crítica de cinema, mas o movimento teatral crescia na cidade. Meu primeiro artigo O movimento teatral em Porto Alegre. 
Em 1957 assumi a coluna teatral diária do jornal Folha da Tarde, da mesma empresa do Correio do Povo: comecei a fazer artigos, críticas, entrevistas, reportagens. 
Um ano depois, vim a São Paulo para ver espetáculos, enviado pelo jornal, e alguns anos depois vim definitivamente para São Paulo trabalhar no Teatro Oficina. Meus artigos agora tinham notícias de São Paulo e Porto Alegre. Informava a próxima temporada da Companhia Tonia-Celi-Autran no Teatro São Pedro, anunciava duas palestras em Porto Alegre do encenador Adolfo Celi e também a promessa da vinda em setembro do Teatro Popular de Arte, de Maria Della Costa e Sandro Polloni. 
Meu objetivo, ao escrever a coluna no jornal, era valorizar o novo teatro, o dos universitários. E inserir o teatro gaúcho no panorama geral do teatro brasileiro. 
Minha primeira crítica foi a peça Otelo, de Shakespeare, estrelado por Paulo Autran, um dos integrantes da Companhia Tonia-Celi-Autran. Comecei bem! 
Moral em Concordata estréia com Maria Della Costa em 17 de setembro de 1957, outra musa do teatro brasileiro. Todas as peças de Abílio Pereira de Almeida são êxitos certos de bilheteria e foi assim que o autor passou a ocupar uma posição privilegiada, quase única no Brasil, principalmente junto aos empresários. Obrigado a encenar originais de autores brasileiros, um difícil peso para qualquer elenco profissional, por mais desejoso que seja de colaborar para 
o desenvolvimento da dramaturgia nacional. Moral em Concordata foi o primeiro espetáculo dessa temporada de Maria Della Costa, com seu Teatro Popular de Arte, uma das mais sérias e importantes companhias de teatro daquela época no Brasil, no Teatro São Pedro, em São Paulo. 
Como era de se esperar, o sucesso popular foi grande, artisticamente ficamos esperando a estréia de O Canto da Cotovia, próxima peça da companhia. A peça de Jean Anouilh conta o processo de Joana d’Arc, sem a preocupação de reconstituição histórica. O objetivo de Anouilh vai mais adiante, usa o personagem e fatos do conhecido momento histórico, para criar uma 

visão satírica da sociedade atual. Todos os seus diálogos são intencionalmente voltados para a nossa realidade. Todo o processo de Joana é narrado com habilidade e simplicidade, uma característica de toda a obra do autor francês. É apenas uma base para toda a intenção da peça. O papel de Joana d’Arc foi magnífico e, sem dúvida, escrevi na crítica do jornal gaúcho Correio do Povo: um dos grandes desempenhos do teatro brasileiro. Maria Della Costa captou, com grande sensibilidade, a imensa sutileza psicológica de Joana do ano mil e o resultado de sua criação é realmente excelente. Todos os seus jeitos, movimentos, olhares, inflexão são tremendamente cuidados e perfeitos. O espectador nunca sente a atriz, mas a poética Cotovia. 
De repente, depois que escrevo essa crítica, entro para o elenco desse espetáculo, uma loucura! 
E fui ao Uruguai, virei ator profissional. O Uruguai, naquela época estava na rota cultural do entretenimento. Os críticos de Montevidéu não pouparam elogios sobre a peça A Prostituta Respeitosa, de Sartre, com Maria Della Costa, um trabalho notável personificando uma prostituta vulgar com uma riqueza de detalhes, transmitindo emoção e intensidade dramática nos momentos mais culminantes da ação.A encenação era um exemplo de como o teatro 

brasileiro havia progredido, desde a época em que esse espetáculo foi lançado. Quem disse isso foi o Angel Rama, um excelente crítico de teatro uruguaio e que se tornou grande amigo meu. 
Foram vários os elogios, de vários críticos: a representação oferecida pelo TPA – Teatro Popular de Arte significou feliz apresentação de um teatro brasileiro, sério, adulto, bem orientado e que atende igualmente as exigências técnicas da profissão, a qualidade estética dos aspectos formais do espetáculo e uma expressiva unidade espiritual apreciável na valorização do texto e no jogo dos atores. 
Crítico x Repórter 
Ser crítico e repórter são coisas diferentes. Entrevistar uma pessoa é muito mais importante, ter o contato com a pessoa, fazer perguntas, conversar, obter respostas. Minha seção no jornal era diária, com entrevistas com artistas tanto de fora como artistas de lá. Comecei a abrir os olhos para a conturbada realidade sociopolítica nacional. O cotidiano da redação do jornal me forneceria as lições básicas. 
Fazia crítica dos espetáculos a que assistia e noticiário do que acontecia nas artes cênicas. Otelo, com Paulo Autran, e O Canto da Cotovia, com Maria Della Costa, era fantástico conviver com essas pessoas! Freqüentava muito o teatro, assistia aos espetáculos, entrevistava os atores, conversava com eles nos bastidores, às vezes saía para jantar com os atores, que já eram consagrados naquela época. 
Minha coluna seguia toda a produção teatral em Porto Alegre. Veja estes recortes: primeira conferência de Adolfo Celi, diretor de Otelo. A companhia se chamava Tonia-Celi-Autran. Era um dos grandes nomes italianos que vieram para 
o Brasil: o Adolfo Celi, o Ruggero Jacobbi e outros que vieram com o TBC (Teatro Brasileiro de Comédia). Ele se ligou a Tonia Carrero e Paulo Autran e fundaram a companhia. 
Otelo foi uma das minhas primeiras críticas: Paulo Autran, excepcional, magnífico no papel de Otelo. É difícil encontrar palavras para elogiálo. Minha impressão basta para considerá-lo um dos maiores atores do Brasil e que este Otelo é a sua maior criação... Tudo num ritmo ágil, as mudanças de cenas são feitas com efeitos de luz e mudanças de plano de ação, revelando a inteligência, a moderna visão de teatro do diretor Adolfo Celi. Fiz críticas de 1957 a 1963. 
Após Otelo montaram outra peça: Esses Maridos, uma comédia de George Axelrod. No elenco, duas gaúchas, a Amélia Bittencourt e Elizabeth Hartmann, que depois vieram morar em São Paulo. Depois de ver Esses Maridos escrevi a crítica: a comédia leve, inconseqüente e decididamente muito divertida. O teatro moderno americano tem usado com bastante freqüência o processo de fazer as peças se desenrolarem em dois planos, um real e outro irreal. Um texto delicioso transformado em divertido espetáculo da companhia Tonia-Celi-Autran. Foi um dos maiores sucessos de público em nossa cidade. 
A próxima peça, dessa importante temporada, será o drama de Antonio Callado, Frankel, uma das mais interessantes obras dramáticas. Escrevi para o Suplemento Literário do Correio do Povo a partir de setembro de 1956 e para a coluna diária da Folha da Tarde, com crítica, entrevistas e noticiário desde maio de 1957 até 1963, quando troco Porto Alegre por São Paulo e entro para 
o Teatro Oficina. 
Famosas Entrevistas 
A atividade teatral na cidade foi crescendo. Trabalhava no jornal, fazia a coluna, textos para entrevistas e à noite ia ao teatro ensaiar ou assistir a peças para escrever a crítica para o jornal. Quando recebia a notícia de que as celebridades do cinema e do teatro iriam passar por Porto 

Alegre, ia para o aeroporto, onde a maioria das entrevistas acontecia. 
Eles tinham o costume de passar por aqui, e entrevistei famosos como a Marlene Dietrich (1959), Yves Montand, Louis Armstrong, Jeanne Moreau. Havia um festival importante na Argentina. O vôo que vinha da Europa fazia sempre escala em Porto Alegre. 
Uma vez fui encontrar o Armstrong e tomamos um uisquinho no bar. Ele me apresentou a turma toda de músicos. Conversamos um pouco. O Yves Montand também pediu para irmos ao bar, para tomar um uísque e falar sobre cinema. A Jeanne Moreau tinha saído, naquela semana, na capa de uma revista francesa. Ela era ainda pouco conhecida, mas também fui ao aeroporto para entrevistá-la, assim como a Marlene Dietrich, no auge da sua carreira. 
Mas a entrevista, que mudou minha vida, foi feita comigo quando vim para São Paulo, no final de 1962, enviado pelo jornal Folha da Tarde, de Porto Alegre, para fazer umas reportagens sobre o que estava acontecendo no teatro de São Paulo e do Rio de Janeiro. 
O Sábato Magaldi fez uma entrevista longa comigo sobre o teatro de Porto Alegre, publicada 

em O Estado de S. Paulo. Além disso, o Arena ia fazer uma temporada no Rio com Mandrágora e o Guarnieri não podia ir, por algum compromisso. O Boal soube que estava em São Paulo, me conhecia do teatro de Porto Alegre e me convidou para substituir o Guarnieri. Mas não podia aceitar o convite, porque tinha que voltar para Porto Alegre, estava a serviço do jornal. Saiu publicado no jornal duas matérias, a entrevista do Sábato comigo e uma nota de que o Boal estava procurando um ator e que eu não poderia substituir o Guarnieri. 
O Zé Celso, do Oficina, leu a entrevista e questionou: nossa, quem é esse cara que foi convidado para substituir o Guarnieri? E além disso gostaram muito da entrevista com o Sábato. Foram atrás do Boal para saber de mim e localizaram 
o hotel onde estava. Fui então convidado para uma reunião no Teatro Oficina. Aliás o único espetáculo que paguei em São Paulo foi no Teatro Oficina para assistir Quatro num Quarto. Fui em todos os teatros: Sérgio Cardoso, Maria Della Costa, TBC, Arena, sempre convidado. 
Na reunião com o Oficina me convidaram para entrar para o grupo. Mas tinha que voltar para 
 o Sul. Mas prometi, eu volto! Fui para Porto Alegre, pedi no jornal uma licença não remunerada de três meses, voltei para São Paulo e 

entrei para o Oficina. Minha primeira atuação foi uma substituição em Quatro num Quarto, 
o mesmo espetáculo que paguei para assistir. Entrei no papel de Ronald Daniel, o mesmo que fez contato comigo no Arena. 
Quando Ousares, Ouse 
Coube ao Teatro Universitário a iniciativa de trazer de volta a Porto Alegre, para um recital, em julho de 1956, no Instituto Belas Artes, o ator gaúcho Walmor Chagas, que já fazia sucesso no TBC de São Paulo. Foi um recital de poemas com textos de Mario Quintana, Manuel Bandeira, Cassiano Ricardo, Vinicius de Moraes, Mário de Andrade, Fernando Pessoa, entre outros. No programa do espetáculo, o anúncio das próximas atrações do teatro gaúcho: À Margem da Vida, de Tennessee Williams, pelo Teatro Universitário; e Hamlet, de Shakespeare, pela Comédia da Província. Foram os mais significativos espetáculos do ano. Em Hamlet fiz o papel de primeiro ator e primeiro coveiro. Foi uma montagem que exigiu esforço e estudo. E muitas horas de trabalho. As madrugadas acabavam no tradicional Restaurante Treviso, que ficava no Mercado. Uma noite fui jantar lá com Francisco Alves. Nessa época tínhamos o hábito de devorar livros, com uma avidez impressionante. Esgotavam os estoques de livros de teatro nas livrarias. 
O espetáculo de Shakespeare despertou imensa repercussão na cidade, criando grande expectativa em torno da capacidade dos intérpretes em enfrentar o texto de Shakespeare. As atenções estavam centradas na estréia no teatro de uma conhecida figura da sociedade, a ex-glamour girl, Themis Reverbel da Silveira, como Ofélia, e de duas vozes conhecidas da rádio gaúcha: Wilson Fragoso, como Hamlet, e Athaíde de Carvalho no papel de rei. 
Antonio Abujamra escreveu no Suplemento Literário do Correio do Povo que o Nosso Hamlet, quem sabe, não incentivará um verdadeiro florescimento teatral em nossa cidade? E lembremos Fernando Pessoa: Ah! Quando ousares, ousa! 
Uma lembrança curiosa, ainda não estávamos nos anos de repressão, inaugurados com o golpe militar de 1964, mas buscar autorização para o espetáculo era um hábito de rotina. No caso do Hamlet, coube a mim buscar o documento de liberação. Encontrei com um estranho policial que me chamou na sala e me perguntou: Aqui estão escritos cinco atos. Até hoje nunca vi isso. Tu podes me dar uma explicação disso, para poder autorizar ou não autorizar? Enquanto outro policial resmungava: inventam cada uma! 
O espetáculo estreou com grande êxito de público, mas a crítica fez reservas. Nessa época começou a ser discutida a questão da crítica. Fui em seguida convidado para escrever no Suplemento Literário do Correio do Povo. No ano seguinte assumimos a crítica dos jornais: eu, o Antonio Abujamra e Cláudio Heemann, e nos tornamos jornalistas profissionais. 
Tempos para descobrir que o teatro e a sociedade estavam unidos intimamente, que o processo cultural se desenvolve dentro de uma realidade histórica objetiva, inserida num movimento social e econômico de características nacionais. Tudo ainda vago e impreciso, mas estava aberto 
o caminho para a compreensão do marxismo... 
Teatro do Estudante 
As peças não tinham uma regra, os diretores sugeriam uma montagem. Uma Mulher e Três Palhaços, por exemplo, fez um grande sucesso em São Paulo, no início do Teatro de Arena, e 
o Sílva Ferreira sugeriu que a gente montasse em Porto Alegre. Autores gaúchos como Paulo Hecker Filho foram importantíssimos nesse início do teatro no Sul. Ele tinha escrito O Provocador, que o Mário de Almeida dirigiu. Minha primeira direção vai ser uma peça dele, Matar, em 1959, no Curso de Arte Dramática da URGS. Escolhi Matar, peça que Walmor Chagas havia encenado num teatro experimental que o TBC de São Paulo tinha nas segundas-feiras. Paulo era em Porto Alegre um autor maldito. Era um amigo e eu tinha grande fascínio por sua figura de intelectual polêmico e lúcido. Ele havia escrito uma novela sobre homossexualismo, Internato, que 
o colocou no index da cidade. Escolhi a peça de Paulo como provocação: encená-lo no Salão de Atos da Reitoria da Universidade. E por ser um dramaturgo gaúcho. 
A origem dos grupos teatrais gaúchos está no Teatro do Estudante. Brigas internas provocaram um verdadeiro desmembramento no Teatro do Estudante e o resultado foi a fundação de uma série de grupos, principalmente a Comédia da Província, o Teatro Universitário e o Clube do Teatro. Sempre fui um crítico do teatro amador de Porto Alegre, porque havia grupos sem intenções artísticas. Muita gente queria fazer teatro como se estivessem em saraus dos avós, muito por vaidade, futilidade, exibicionismo. Muita gente não tinha intenção de seguir o teatro profissionalmente; ao invés de estarem preocupados em montar textos nacionais, estavam preocupados com os êxitos da Broadway, de Paris ou do West End. Mas sempre bati nesse assunto, sem autores nacionais, não há teatro nacional. 

Fiquei no Teatro Universitário e depois estive no Teatro do Sul, fundado por Ruggero Jacobbi. Cheguei a trabalhar com o Ruggero como assistente de direção no Teatro do Sul. No curso de Arte Dramática, o Ruggero inventou que tinha pessoas com tendência para a direção. Ele me colocava sempre como assistente de direção. Um dia o Ruggero inventou de fazer um seminário de direção dentro do curso, de interpretação de ator. Era para os alunos que já tinham completado o primeiro ano, e foram aceitos outros seis do segundo ano, estavam entre estes: Armando Ferreira, Cláudio Heemann, Yara Vitória da Silva, entre outros. Foram 16 aulas teóricas e no final faríamos uma experiência na direção. Armando Ferreira escolheu Machado de Assis, eu escolhi peça de Paulo Hecker Filho. Foi a minha primeira experiência como diretor em Matar. Foi maravilhosa, muito forte! 
Mais tarde vou para o Teatro de Equipe, onde estão Ivete Brandalise, Paulo César Pereio, Paulo José, Mário de Almeida, Milton Mattos, Moema Brum. O Teatro de Equipe foi muito influenciado pelo Teatro de Arena, de São Paulo. A idéia era ter um espaço próprio. No Teatro de Equipe havia várias atividades culturais. Ficava na rua General Vitorino 312. Comecei a trabalhar com os fundadores, o Paulo José, Paulo César Pereio, 

Milton Mattos e Mário de Almeida, diretor-geral e encenador contratado. Mário aparecerá como ator somente em Esperando Godot, de Samuel Beckett, com direção de Luis Carlos Maciel, dirigindo em co-produção do Teatro Universitário com o Teatro de Equipe. 
Nessa época criamos o núcleo gaúcho do CPC 
– Centro Popular de Cultura ligado à UEE. Já conhecia o Vianinha, que havia estado em Porto Alegre com o Teatro de Arena. Eu estava vinculado ao Teatro de Equipe, que tinha uma postura de trabalho nacional e política, sem dúvida visceralmente influenciado pelo trabalho do Arena e pelas notícias que recebíamos do trabalho do próprio CPC da UNE. Quando Cuba foi invadida, em 1961, aconteceu em Porto Alegre um espetáculo que foi uma espécie de embrião do CPC local: Pátria ou Muerte, de Vianinha, apresentado pelo Arena de São Paulo, o Equipe e estudantes da Feurgs. 
Com Brasil – Versão Brasileira, de Oduvaldo Vianna Filho, já se organiza um teatro político. O diretor da União dos Estudantes na época era 
o Marco Aurélio Garcia, hoje assessor de assuntos internacionais no governo Lula. O Marco Aurélio, amigo meu de infância, me chamou para dirigir e organizar a ida do CPC para Porto Alegre para uma série de espetáculos. Na semana 

de cultura do Centro Popular de Cultura apresentamos vários espetáculos e exibimos os filmes. A abertura foi no salão de Atos da Universidade do Rio Grande do Sul, onde foi encenada uma peça sobre a reforma universitária e os filmes, Aruanda, Arraial do Cabo e O Santuário. E ainda 
o curta-metragem cubano Muerte al Invasor. 
No dia seguinte, na reitoria, foi apresentado 
 o espetáculo intitulado Miséria ao Alcance de Todos: na primeira parte, Canção do Subdesenvolvimento, de Chico de Assis e Carlos Lyra; Paga, não Paga, de Augusto Boal; a música Maria do Maranhão, de Carlos Lyra e Nelson Lins de Barros; o poema O General, de Bertolt Brecht; e o prólogo da peça A Vez da Recusa, de Carlos Estevam; na segunda parte, a peça de Arnaldo Jabor, que tinha três títulos, História do Formiguinha ou Deus Ajuda os Bão ou Como Entrar bem pelos Canais Competentes... 

No terceiro dia foi encenada Brasil – Versão Brasileira. Noticiei a chegada do CPC com grande destaque: Excepcional e inesperado acontecimento... 
Durante esse período vamos ter contato com gente de Cuba, como o poeta cubano Nicolas Guillén que fez uma palestra no Teatro Equipe. E fazer peças sobre a revolução cubana. 
O Despacho Virou Lenda 
Era uma época muito gostosa de se viver. Fizemos um esforço com o Teatro de Equipe para formar uma companhia profissional para poder nos manter com a profissão. Eles chegaram a encenar várias peças, como O Demorado Adeus, dirigido por Mário de Almeida, com Paulo José, Ivete Brandalise e eu. O grupo fez várias peças, mas fiz depois só O Despacho. O espetáculo teve uma repercussão imensa e estreou um pouco antes do golpe, da queda de João Goulart. Foi impressionante porque a peça tratava do tema. Foi escrita pelo Mário de Almeida e contava a situação política brasileira, a derrubada de um presidente. Parecia que havia sido escrita depois do golpe. Por causa da coincidência, teve problemas com a censura. Incrível é que esse texto se perdeu, ninguém sabe onde ele está. 
A peça O Despacho estreou em 18 de julho de 1961, poucos dias da renúncia do presidente Jânio Quadros. Texto sensível, de reflexão crítica sobre a contraditória e perturbada realidade sociopolítica nacional. O Teatro de Equipe tinha como referência e não como modelo, mas como estímulo artístico e ideológico, o trabalho do Teatro de Arena de São Paulo. Nesse espetáculo soube aprofundar a análise da realidade gaúcha tentando até mesmo personalizar o trabalho teatral do Rio Grande do Sul. 
O Despacho virou lenda, o Mário de Almeida sempre vinha com essa: assim como Pirandello escreveu Seis Personagens à Procura de um Autor, vou escrever um autor à procura de um texto. A estréia foi acompanhada de diversos acontecimentos em todo o planeta, como a Guerra Fria, 
o muro de Berlim. O governador Leonel Brizola se interessou pela peça e perguntou na ocasião se tínhamos condições de levar O Despacho para o Rio de Janeiro, São Paulo e Brasília. Ele financiou a viagem da peça para as três cidades. Mas em São Paulo a peça, que seria encenada no Teatro Oficina, foi cancelada. Na véspera da viagem do grupo para São Paulo, um assessor do Brizola chegou ao teatro com uma mala cheia de dinheiro e pediu para que o Mário de Almeida o aguardasse após o espetáculo. Como numa cena de um filme, o tal assessor disse que havia uma impossibilidade burocrática e não poderia patrocinar a viagem. No Rio de Janeiro O Despacho foi transmitido pela rádio Mayrinck Veiga. Em 1964, quando a Tereza Raquel pretendia montar a peça no Rio, houve o golpe e o resto é silêncio... 
Primeiro Espetáculo de Teatro Profissional 
Com o Curso de Arte Dramática fiz o aprendizado clássico trabalhando como ator em Egmont, de Goethe, Electra, de Sófocles, O Corvo, de Carlo Gozzi, ambas com direção de Ruggero 

Jacobbi. Com a Companhia de Maria Della Costa viajei para o Uruguai. Com o TBC foram dois espetáculos, onde substitui atores: Anjo de Pedra, direção de Benedito Corsi, de Tennessee Williams; e Leonor de Mendonça, direção de Flávio Rangel, de Gonçalves Dias. No Anjo de Pedra aprendi muito, apesar do meu personagem ser pequeno, mas muito simpático. Em Leonor de Mendonça entrava em cena num instante, dizia uma frase e ia embora. 
Vou trabalhar depois, nos anos 60, com o teatro de Ruth Escobar, que vai montar em Porto Alegre Mãe Coragem, de Bertolt Brecht, também precisam de uma substituição. A direção era de Alberto D’Aversa. Eu fazia o irmão da mãe coragem. Foi muito importante e significativo. Trabalhei nesse espetáculo com Ruth Escobar e Lélia Abramo. 
Minha ligação com o Brecht tinha começado com 
o Ruggero, que meu deu uma formação em todos os sentidos: cultural, teatral e política também. 
Foram várias experiências profissionais depois do O Canto da Cotovia, que teve direção e cenários de Gianni Ratto. Meu primeiro espetáculo de teatro profissional, em 1957. Com esse espetáculo viajei pela primeira vez para Montevidéu, no Uruguai. Tenho boas recordações do país. Passei 


a ir muito para lá, uma vez por mês passava o fim de semana em Montevidéu. Via uma série de filmes, que não vinham para o Brasil naquela época. Uma vez fiz contato com o grupo El Galpón, quando fui com o teatro de Maria Della Costa apresentar O Canto da Cotovia. O diretor do grupo El Galpón, Atahualpa del Cioppo estava ensaiando uma peça de Brecht e me convidou para ver os ensaios. Fiquei fascinado, me lembro que comprei o texto de Galileu Galilei em espanhol numa livraria. Mas a minha primeira peça do Brecht foi o espetáculo Mãe Coragem. 
Com a peça O Demorado Adeus, de Tennessee Williams, encenada pelo Teatro de Equipe, em 1960, havia uma preocupação em criar um grupo profissional. Conseguimos um teatro pequeno, no centro de Porto Alegre, e fizemos a adaptação. Mas a tentativa não vingou. Veio o golpe de 64 e o teatro ficou paralisado. 
Uma Volta à Dramaturgia Brasileira 
Com o Teatro de Arena e também o TBC, ao contratar o Fávio Rangel, como diretor, deu os primeiros passos para surgir a nossa dramaturgia brasileira. O próprio Ruggero achava que estavam totalmente certos em contratar 
o Rangel. É isso mesmo, chega de contratar diretores estrangeiros! 
O assunto tomou força quando o Teatro Equipe faz um seminário sobre dramaturgia. Era um seminário nas mesmas bases do Arena em São Paulo, já se tinha uma preocupação com a formação dessa dramaturgia. Uma discussão que prossegue até hoje. 
Minha identificação com o Oficina e o Arena era por esta causa, a da formação de uma dramaturgia brasileira. Nessa época tinha contato com o Augusto Boal do Arena e não conhecia ninguém do Oficina. O Teatro de Arena há havia ido a Porto Alegre várias vezes. O Boal participou de algumas palestras no Curso de Arte Dramática. Claro que também tinha um fascínio pelo grupo, porque sabia do significado e a importância do Teatro de Arena e do Oficina. Eles eram os mais importantes grupos teatrais daquele momento. 
Havia uma transformação do significado artístico e social. A preocupação social e política do Arena era muito forte e havia um vínculo dessa idéia com a dramaturgia. Vários atores do elenco e da direção do Arena escreviam, como o Guarnieri, Vianinha, Boal (que era mais diretor, mas escrevia também), Flávio Migliaccio, Nelson Xavier e Chico de Assis, que eram do elenco e também escritores. Havia sempre seminários internos sobre dramaturgia, o que foi transformador e essencial ao teatro brasileiro. 
E havia uma relação curiosa entre o Arena e o Oficina, sempre a mesma discussão: a realidade brasileira estava sempre presente na montagem do espetáculo, havia uma reflexão crítica do social, do que acontecia no país, naquele momento. No Arena, isso partia da própria dramaturgia. No Oficina acontecia uma coisa oposta, de certa maneira, mas que era a mesma coisa: as peças que encenavam eram estrangeiras, mas a preocupação era de que o espetáculo tivesse uma linguagem nacional, provocando na platéia uma reflexão sobre a realidade do nosso país. 
Se a ênfase do Arena era a dramaturgia, no Oficina era a encenação. Na peça Os Pequenos Burgueses, de Máximo Gorki, encenada em 1963, nossa preocupação não era discutir a revolução soviética, mas a necessidade de uma transformação social no nosso país. Tínhamos no elenco o russo Eugênio Kusnet, figura essencial e que nos recomendou a peça. Fizemos a montagem e foi muito importante, um sucesso extraordinário. Foi um momento decisivo para o teatro Oficina. A peça teve uma repercussão de público e de crítica muito grande. Ficou muito tempo em cartaz, depois voltou em outras montagens. A nossa tradução, minha e do José Celso, não foi do russo, mas traduções em francês, espanhol e inglês. E o Eugênio Kusnet fez a revisão final 

da tradução para ver se correspondia com os originais. Estava tudo certo. Fiz a assistência de direção e mais três personagens. Na estréia fiz o Chichkin, depois Piotr e Nil, em substituição ao Renato Borghi e o Ronald Daniel. 
Tive uma experiência teatral raríssima com Os Pequenos Burgueses. Teve uma época em que 
o Cláudio Marzo fazia o Nil. Estávamos com a peça em cartaz num teatro na Brigadeiro Luiz Antônio, em São Paulo. O Renato e o Cláudio faziam os dois personagens que entravam em choque na peça, o Nil e o Piotr. Eles estavam também filmando na época. E durante um tempo eu fazia numa sessão o Nil e na outra o Piotr, substituindo-os quando não podiam comparecer ao espetáculo. Assim fiquei por semanas, numa sessão fazia um deles, quando terminava a sessão, entrava como o outro. Eram personagens opostos, e foi uma experiência inacreditável, porque no mesmo dia fazia os dois personagens em choque o tempo todo. Um dos conflitos básicos do texto. Mas a experiência foi fantástica porque mexe com você por tudo, na forma de representar o personagem, no lado emocional, físico e racional da montagem. Era uma loucura, fazendo um e depois o outro. Era sobre uma luta operária. O Piotr era um pequeno burguês, ligado à família e Nil é o operário e revolucionário, 

participante do movimento operário. A peça passou bem pela censura. Conseguimos montar na época várias peças com uma discussão política muito forte. 
Em Tempos de Golpe Militar 
Quando aconteceu o golpe de 64, a Miriam Mehler, que era uma das atrizes do grupo de origem e judia, havia comprado os direitos de um texto de Max Frisch, Andorra, sobre a perseguição dos judeus no nazismo. Ela queria montar a peça e levou-a ao teatro para leitura. Achamos muito interessante, eu, Zé Celso e o Renato Borghi. Mas pensamos que como não havia perseguição de judeu no Brasil, não tinha sentido montar a peça. Poucos dias depois acontece o golpe militar. Tivemos que fechar o teatro correndo, fomos para um lugar no interior, que a Célia Helena nos conseguiu para ficarmos escondidos. Mas quase que imediatamente revimos nossas posições e dizíamos a mesma coisa: temos que montar Andorra quando voltarmos a São Paulo. Porque o tema central não era mais a perseguição aos judeus, mas a perseguição. Se o assunto era judeus, o público entenderia a mensagem. Quando ensaiamos, passamos pela censura e conseguimos estrear a peça, com uma ênfase muito grande sobre os judeus para os censores. Fizemos na época o seguinte anúncio para os 

jornais: Andorra, de Max Frisch, judeu igual a qualquer bode expiatório. Queríamos que o espectador fizesse uma leitura sobre a realidade brasileira, onde naquele momento havia uma parte da sociedade sendo perseguida. 
Montamos no Oficina Andorra, Os Pequenos Burgueses e Galileu Galilei, do Brecht. Sempre com a preocupação de escolher textos, apesar de autores estrangeiros, que tivessem um foco que refletisse os problemas brasileiros. Os dois grupos, Arena e Oficina, eram duas faces de uma mesma moeda. Já conhecia anteriormente 
o trabalho do Arena, do Oficina não. Mas sabia da grande repercussão do Teatro Oficina, que nasceu muito ligado ao Arena. Os primeiros espetáculos do Oficina foram dirigidos pelo Augusto Boal, do Arena. 
No caso da peça Andorra, estávamos com medo de não passar na censura, mas como era sobre judeus, passou. Nos ensaios com a censura fazíamos muitos truques. Na peça Don Juan, que dirigi, uma adaptação de Molière, feita por mim e pelo Guarnieri, que fazia o papel-título, no dia do ensaio com o censor, tinha uma cena que temia que eles cortassem, porque os diálogos eram muito fortes. No dia da apresentação para a censura pedi ao meu assistente, o Paulo Goya, que era um jovem magro, alto, bem jovem e que 

fazia uma participação no espetáculo: Na hora em que começar o tal diálogo, se dependure naquela corda, nu e de cabeça para baixo. Imagine a figura, um cara enorme e magro naquela situação. Fiz a cena assim. Não deu outra, quando terminou o ensaio, o censor disse: tudo bem, mas aquela cena do homem nu não pode ter. 
Claro que esta cena não era do espetáculo. Mas aconteceu o que imaginei: na hora em que começou a cena, o censor ficou olhando para 
o homem nu dependurado no teto e não deu conta da força dos diálogos. Queria que ele se distraísse e não prestasse atenção no que estava sendo dito na cena de Don Juan. Tinha medo que fosse cortada essa cena e inventei o truque na hora do ensaio. A tática deu certo. Era um jeito que fazíamos para driblar a censura. 
Nessa época, com Andorra e Os Pequenos Burgueses, fomos muito para o Rio de Janeiro, com temporadas de sucesso. No fundo O Rei da Vela começou a surgir no Rio. 
Fazíamos umas oficinas com o Luiz Carlos Maciel, grande amigo meu de Porto Alegre, onde fizemos muita coisa junto. Depois ele foi morar no Rio. Na oficina teatral, procurávamos um texto nacional, alguma coisa que pudesse discutir a realidade brasileira daquele momento. 
Numa dessas oficinas, ele sugeriu a peça, que não conhecíamos. Fizemos a leitura e ficamos fascinados com a peça de Oswald de Andrade. Era o que queríamos montar. 
Experiências no Oficina 
No Oficina, desde 1963, comecei a trabalhar como ator e assistente de direção do Zé Celso. O Renato Borghi também era diretor de lá. Pouco depois me tornei sócio do grupo. Fiquei lá até sair, em 1970, o que chamo de a separação do casamento do grupo. 
Eu estava em viagem pela Europa, houve um incêndio no Teatro Oficina, em 31 de maio de 1966. Depois desse episódio criamos um novo espaço. Antes chamávamos de sanduíche: era um palco, com platéia de um lado e do outro. Depois do incêndio fizemos um palco italiano, com uma roda giratória grande. E foi lá que estreamos O Rei da Vela. O primeiro espetáculo que estreou no novo espaço. A peça foi muito importante, uma transformação forte na própria linguagem do Teatro Oficina. O Zé Celso juntou essa linguagem experimental cênica com a força política do texto. A gente incorporou coisas brechtianas, linguagem circense com elementos populares de comédia dramática. O texto muito instigante saiu em busca de uma linguagem nova. Estávamos também refazendo o espaço Oficina. Tinha um palco que girava. Foi uma série de linguagens novas, um processo criativo fascinante. E que teve uma repercussão muito grande com a platéia. 
Nessa época descobrimos Brecht quando vimos 
o espetáculo Berliner Ensemble, em Berlim. 
Com a descoberta de Brecht pensamos montar Galileu Galilei e o fizemos depois de O Rei da Vela, em 1968. Mas foi com Na Selva das Cidades, de Brecht, que Zé Celso fez uma das suas direções mais brilhantes. Nessa época já estávamos num conflito interno no grupo, com a entrada de pessoas mais jovens. Com a crise, conseguimos trabalhar com a realidade dos problemas internos. E isso se transformou num grande espetáculo, com Na Selva das Cidades. Mas Galileu, que montamos antes, também era uma discussão política. Tratava-se da perseguição a Galileu, do relacionamento das teorias com a sociedade, com o povo também, quando chegam as idéias de Galileu nas ruas. Era uma discussão sobre a situação política. Como em Andorra, não nos interessava a idéia dos judeus, assim com Galileu não estávamos discutindo o personagem cientista Galileu, mas a crise política do significado de teorias novas em conflito com o arcaico. A descoberta do novo e como isso entra em choque 

com o poder. Era também uma discussão sobre os aspectos da ditadura. 
Em Galileu também houve outra questão curiosa da censura. Não me lembro do nome do censor, mas foi até uma figura simpática. Fazíamos um ensaio para a censura em 68. Eu, 
o Renato e não me lembro quem era o outro ator, estávamos no camarim, num momento em que não entrávamos logo em cena, quando ouvimos no rádio, que estava ligado bem baixinho, o decreto do AI-5. Foi uma loucura! Quando terminou o ensaio falamos ao censor sobre o decreto, mas ele disse: vou liberar a peça agora, porque se voltar para a censura, para liberar depois, eles vão proibir. E liberou na hora o espetáculo. Foi impressionante! 
Depois da Na Selva das Cidades, já estava instalada uma crise interna muito grande no grupo, 
 o que culminou com a minha saída do Oficina, que foi como uma separação de casamento. Mas estava impossível! Fazia como ator Na Selva das Cidades e dirigia o Dom Juan. Mas já tinha dirigido lá o Poder Negro, de Leroy Jones, em 68, que também teve uma preocupação política muito grande. Era uma peça sobre o preconceito não só racial, mas um choque em diferentes aspectos da sociedade, como a luta de classes, embora seja uma discussão sobre a questão negra. 


Saí do Teatro Oficina em 70, quando estava em cartaz Dom Juan. Não estava no elenco, mas era direção minha. Na época eu morava na avenida Paulista e ia todo dia para o Oficina: pegava um ônibus e descia perto do Teatro Imprensa, e ia a pé para o teatro. Um dia, fazendo o mesmo trajeto, depois que desci do ônibus, parei e pensei: não vou mais, não dá mais! Não conseguia mais suportar as posições e os encaminhamentos do Zé Celso no teatro. Eram experiências irracionais na base do corporal, não se faz a revolução político-social, então tenta-se fazer dentro de si mesmo. Estavam num processo anárquico, de religiões orientais, com pessoas jovens e porraloucas. A barra estava meio pesada. Gostava do Zé Celso, do trabalho dele, apesar de tudo, mas não concordava com o trabalho, com as coisas que estavam fazendo... Não era isso o que queria fazer. Se continuasse indo, teria que agüentar um milhão de coisas, que já não dava mais ou ficar lá reclamando delas e brigando o tempo todo. Era melhor não ficar mais junto. É como um casamento. Não é que não goste da pessoa, mas não dá mais para ficar junto! Não era nada contra a posição dele. Tudo bem, quer ir por aí vai, mas não vou junto. 
Isso tudo me passou pela cabeça, fiz a volta, peguei o ônibus e voltei para a avenida Paulista, onde morava. Fiz uma maletinha, peguei um táxi, fui para o aeroporto e embarquei para o Rio. Fiquei uns três dias num hotel, em Ipanema. Sempre que ia para lá ficava na casa de pessoas amigas. Nesses dias não procurei ninguém, fiquei isolado. De manhã ia para a praia, depois passava numa barraca de revistas, comprava uns livrinhos de novelas policiais e ficava a tarde lendo. De noite ia para um bar perto do hotel. Fiquei assim uns dias, sem ver ninguém e depois voltei para São Paulo e não fui mais ao Oficina. Foi um rompimento. Continuei trabalhando em São Paulo no Arena e outras peças. Nessa época já estava descasado da Ítala Nandi. 
Duplo Amor 
Quando aceitei trabalhar no Oficina, em 1963, naqueles três meses de licença do jornal, a Ítala veio comigo e começamos a trabalhar no teatro. Conheci a Ítala quando fui fazer uma palestra sobre teatro em Caxias do Sul. E um grupo de jovens me convidou para irmos tomar um vinho. Depois fiquei sabendo que o pai da Ítala é quem produzia o vinho Moscato Piave. Depois nos apaixonamos! Casamos em 1961. 
Por um acaso a Ítala entra no elenco de Quatro num Quarto. Ítala trabalhava num banco em Porto Alegre e quando veio para cá passou a 


cuidar da área financeira do Oficina: cuidava dos gastos, dos pagamentos aos atores, etc. Um dia, a Rosamaria Murtinho, que fazia Quatro num Quarto, estava também ensaiando outra peça. O Zé Celso queria tirá-la do elenco da peça. Era complicado. O Zé Celso entrou em contato com 
o Boal e pediu para ele indicar uma atriz para substituir a Rosamaria. 
O Boal disse: Você tem a atriz no Teatro Oficina! 
 Quem? 
 A Ítala Nandi. 
 A Ítala é atriz? 

Então o Boal explicou que já tinha visto Ítala atuar em O Despacho, em Porto Alegre. O Zé voltou para o Oficina, fez um teste. Achou-a maravilhosa e a colocou no elenco. Foram anos de dupla profissional. O último trabalho que fizemos juntos foi o recente espetáculo Vassah: a Dama de Ferro, de Máximo Gorki, também uma tradução feita por mim e por Eugenio Kusnet, onde participei como ator. Foi encenado em 2001, no Teatro Sérgio Cardoso, com realização da Ítala Nandi Produções. 
A Ítala veio para São Paulo porque se deu conta que há muitos anos não representava na cidade. 
Ela sempre esteve no elenco, junto comigo, o Renato Borghi, e com a direção do Zé Celso. Depois do Oficina ela foi para o Rio de Janeiro. Com o espetáculo Vassah, em 2001, ela nos convida para montar o espetáculo em São Paulo. Ítala resolveu fazer essa homenagem e propôs a nossa participação na peça. O Zé Celso também fez uma participação em vídeo. Mas topei fazer a temporada inteira. Renato fez quase todos os espetáculos, só em alguns foi substituído. 
Nessa época, estava ensaiando um espetáculo também no Teatro Sérgio Cardoso. Minha participação no Vassah era pequena, então parava 
 o ensaio e ia fazer a cena e depois voltava para 
 o ensaio. E às vezes ainda voltava para os agradecimentos. Deu para conciliar as duas coisas. O espetáculo era muito bom, e a minha cena era com a Ítala e o Renato. Desde os anos 70 não trabalhava com a Ítala, mas sempre mantivemos uma relação boa. Ficamos os três no mesmo camarim, a idéia foi da Ítala. O elenco era ótimo, pessoas que conhecia, outras não e o Zé esteve na estréia. 

Novas Experiências 
Um pouco antes de sair do Oficina, trabalhei como ator no Teatro de Arena, fui para o Peru, México e Estados Unidos com Arena conta Zumbi, de Guarnieri e Boal, e Arena conta Bolívar, de 

Boal. Foi interessante fazer Arena sete anos depois do primeiro convite do Boal. O Arena conta Bolívar foi encenado no exterior em 1970, mas nunca no Brasil. Foi viajar e proibido pela censura na sua volta. E ninguém tem o texto também, não conseguem encontrar! Imagina, é um texto importantíssimo, onde se discute a importância de Bolívar e a revolução na América Latina. Montamos em Lima, no Peru, e várias cidades no México e mais outras cidades nos Estados Unidos. Era uma discussão política muito forte. E o Arena contava com um elenco onde os personagens se revezavam, todos faziam os personagens. 
O Arena fez muito sucesso nessas viagens. No México estivemos em Puebla, Guanaguato, Guadalajara, Monte Rei, Leon, São Luis de Porto Si e Morela. No Peru fomos a Lima. E nos Estados Unidos em: Berkeley, São Francisco, Kent, Cleveland, Kansas City, Búfalo, Chapaqua e New York. Viajamos assim alguns meses. O espetáculo teve grande repercussão na mídia, saiu em muitos jornais, com noticiários e crítica de teatro. Deu até no jornal New York Times, O Arena conta Bolívar. 
Nos Estados Unidos fiquei amigo de Eric Bentley, grande escritor, autor de livros sobre teatro, figura importantíssima. Ele me deu inclusive uma gravação do depoimento do Brecht no inquérito sobre uma infiltração comunista no cinema 

americano, em 1947. Conto toda essa história no meu livro Hollywood, Episódio da Histeria Anticomunista. Foi uma época de perseguição aos artistas, 41 personalidades de Hollywood haviam sido citadas pelo Comitê de Atividades Antiamericanas para comparecerem em Washington; 19 assumiram a posição de não aceitar o Comitê, por julgá-lo inconstitucional e ficaram conhecidos como os 19 Não-Amigáveis, entre eles Bertolt Brecht. Talvez não por casualidade, 13 deles eram judeus, alguns eram membros do Partido Comunista, outros não. Anti-semitismo e anticomunismo andaram de mãos dadas naquela época. Brecht (1898-1956) compareceu, manifestou sua solidariedade ao grupo, mas como era cidadão alemão, passível de deportação, ficou acertado que não negaria a responder às perguntas, não se valendo das prerrogativas de defesa previstas na Constituição dos EUA. 
Brecht chegou aos Estados Unidos em 1941, fugindo do nazismo, vindo de Helsinki e Moscou. A grande polêmica de Brecht nos Estados Unidos foi com o escritor alemão Thomas Mann, com quem nunca simpatizou, e criticou com violência. Brecht chamava-o de réptil, e antes já havia escrito que, depois da guerra, os alemães terão que justificar-se não apenas pelo nazismo, mas também por terem suportado os romances do senhor Mann. E estes sem a ameaça constante de vinte ou trinta divisões da SS. A crise central entre eles é que nos Estados Unidos Brecht discutia a necessidade da organização de uma Alemanha Livre no exílio, para unificar os opositores emigrados, enquanto Mann negava a existência de tal organização. Brecht, que manifesta a adesão a essa organização, recorda, na ocasião, que a discórdia entre os partidos operários alemães foi uma das principais causas da ascensão de Hitler. E por aí vai... 
Mas durante o interrogatório, Brecht nega sua participação no Partido Comunista. Militante comunista era sua mulher, Helene Weigel. Restou a gravação na íntegra, com comentários de Eric Bentley, editado em disco pela Folkways Records álbum, em 1963. O disco revela muito da personalidade de Brecht: ágil, malicioso, lúcido. O seu comportamento durante o interrogatório despertou polêmica e até desconfiança. Brecht, que afinal teve mesmo que deixar o país, no dia seguinte do seu depoimento, conta a Eric Bentley, que afinal os inquisitores norte-americanos não eram tão maus quanto os nazistas: os nazistas nunca teriam permitido que eu fumasse. Em Washington me deixaram fumar um charuto. E eu o usei para manipular pausas entre as perguntas e respostas. 
Para o teatro brasileiro Brecht foi um grande companheiro de trabalho nos anos 60. Ele foi, inclusive durante a ditadura, um dos autores estrangeiros mais encenados no País. Ele invade três centros de produção de teatro político brasileiro, nos anos que antecedem o golpe militar de 64: o Teatro de Arena de São Paulo, o Teatro Oficina de São Paulo e o Centro Popular de Cultura da UNE. 
Linguagens Inovadoras 
Depois que saí do Oficina vou trabalhar menos como ator e começar a dirigir mais. Em Porto Alegre já havia dirigido duas peças: Matar, na Escola de Arte Dramática, e Pedro Mico, no Teatro de Equipe; e no Oficina, o Poder Negro e Dom Juan, minha última peça lá. Embora tivesse a preocupação com a cena política e o seu significado social, com o espetáculo Dom Juan havia também uma preocupação com o espaço cênico. Dom Juan tinha muito envolvimento com a platéia, que sentava onde queria, até no chão, durante o espetáculo. O centro da ação era em uma cadeira, no chão, na almofada ou na mesa que ficava no centro do Oficina. Essa mesa era curiosa, os grandes momentos se passavam em torno dela. Era uma grande transformação na linguagem cênica. Vi isso acontecer nos Estados Unidos e nos influenciou na montagem de nossos novos 

cenários. Um pouco do que o Zé Celso já fazia, mas eu não levava para o irracional, a loucura. 
Um dos grandes momentos da peça é quando acontece um jantar nessa mesa, que é onde mora 
o Dom Juan. O coro, antes de começar o jantar, puxava as gavetas e sabe o que acontecia com a mesa? Virava o desenho da suástica, do nazismo. E então aconteciam as cenas de morte. 
Na minha encenação, Dom Juan não ficava só na imagem da rebeldia sexual, mas no enfrentamento da sociedade. O Guarnieri fazia o personagem. Eu o trouxe do Arena para o Dom Juan no Oficina. Isso já era um choque para o clima do Oficina naquela época. A imagem física do Dom Juan, sobretudo no final, lembrava muito 
 o Guevara, o Che. No final, no palco italiano aparecia uma projeção de uma figura de um militar que mata o Che Guevara. Foi uma nova linguagem, fora daquele espaço cênico tradicional que utilizávamos há pouco tempo. 

Utilizei também uma linguagem influenciada no que estava acontecendo naquele momento no Teatro Oficina, voltado para o irracional, para a coisa física, para a sexualidade. Era muita maluquice. Tenho a maior admiração pelo trabalho do Zé Celso, mas havia uma discordância, não era o que queria fazer de teatro. Eram anos 70 e, apesar dessa liberação, a linguagem que utilizei em Dom Juan tinha uma preocupação em chegar a um resultado social e político. 
Novas Direções 
Em 1972, vou trabalhar com Núcleo 2 do Arena, que sai do grupo e começa com outros ritmos. Basicamente era o Edson Santana, Celso Frateschi, Margot Bairdi, Dulce Muniz, Denise Del Vecchio, Renato Dobal, Abraão Farc, Antonio Pedro. Esse pessoal todo me convida para dirigir. Os Tambores da Noite, de Brecht, e A Semana, de Carlos Queirós Telles, foram os dois espetáculos que fiz com o Núcleo 2 do Arena. Trabalhei também no Teatro São Pedro, onde se forma uma companhia, da Beatriz Segall e do Maurício Segall. Lá monto Frei Caneca, de Carlos Queirós Telles, e o Frank V,de Friedrich Dürrenmatt, e ganhei o prêmio de direção do ano de teatro. Esses quatro espetáculos, todos em 1972, só Frank V em 1973, foram muito importantes. 
O Frank V de Dürrenmatt que Carlos Queiroz Telles traduziu junto com Tereza Linhares, tem uma história curiosa. Frank V é uma tragédia moderna, de nossa sociedade, que mostra como 
o capitalismo em crise consegue, às vezes, sobretudo em nossos dias, erguer-se de seu leito de moribundo e voltar à cena, revitalizado e 



forte para manter-se no poder por mais algum tempo. Os personagens, banqueiros, gansgsters se apresentam ao público como descendentes dos grandes heróis shakespearianos. Como em Shakespeare acompanham a disputa dos poderosos. O povo está ausente das decisões. É a vítima que a peça omite. Os dois proletários que aparecem no princípio, desempregados, são aniquilados: um é assassinado e o outro incorporado ao crime. O que assistimos é a uma luta pelo poder. É a história tragicômica de um banco particular em crise. Mas não é apenas a história de um banco, mas a parábola do nosso mundo, da nossa realidade. Frank V é um paralelepípedo lançado contra determinados valores socioeconômicos e políticos. 
Frank V tinha uma vinculação direta com o momento econômico do País, com a rearticulação econômico-política da ditadura que dava os primeiros passos para aquilo que seria conhecido como milagre econômico. 
No final do ano de 1972 fui ao Teatro Oficina, assistir As Três Irmãs, de Tchekhov. Vi o espetáculo nos últimos dias do ano, em 27 de dezembro. Minha namorada me convidou para passar 
o final do ano numa praia de Santos. Quando voltei, dia 1º de janeiro de 1973, havia um bilhete debaixo da porta. Era do Zé Celso: Fernando, é 
o seguinte, dia 30, na hora do agradecimento do espetáculo, o Renato (Borghi) interrompeu os aplausos da platéia e comunicou que era o seu último espetáculo no Oficina e que estava deixando o teatro. Não avisou ao elenco e nem a mim. O espetáculo tem que voltar amanhã de qualquer jeito, porque está com vários ingressos vendidos dessa semana. Preciso de um ator no lugar do Renato e só pode ser você, porque conhece bem o Renato e vai ter que fazer igual ao que ele fazia na peça. Você assistiu ao espetáculo há três dias, está com o espetáculo na cabeça. Por favor, entre em contato comigo com urgência. 
Liguei para lá e ensaiei a tarde toda com o Zé. Fiquei umas duas horas decorando o persona-gem e ensaiei outras duas horas só com ele, sem 
 o elenco. Entrei em cena naquela noite. Tem uma cena que nunca me esqueço. Fazia um irmão das três irmãs. No final do primeiro ou segundo ato, estou na boca de cena, numa porta e a atriz que faz a minha esposa, na outra ponta. Nós vamos caminhando um em direção ao outro. Quando chegamos no centro, a gente se agarra, se beija na boca e começo a passar a mão pelo seu corpo; 
 o pano vem descendo e fecha a cena. Mas na hora em que vou chegando próximo da atriz, penso: nunca falei antes com ela, não sei nem 
 o nome dela. 



No dia da estréia entrei em contato com os outros atores que conhecia, mas ela não sabia quem era! De repente pego, abraço e beijo, uma sensação maluca! 
Fiz a peça durante duas semanas, depois o Zé queria me levar para um espetáculo no Rio. Agora não posso ir, disse a ele, tenho que dirigir um espetáculo aqui em São Paulo. Já estavam marcados os testes e a estréia para o Frank V, de Friedrich Dürrenmatt, no Teatro São Pedro. Mas o Zé insistiu para que fosse para a estréia no Rio e que depois entraria outro ator no lugar. Concordei e fiz a estréia. Terminou o espetáculo, peguei um ônibus direto para São Paulo. No dia seguinte faria os testes para o novo espetáculo no Teatro São Pedro. Quando cheguei ao teatro, fui direto para um bar na esquina tomar café. E quem encontro? O casal Renato Borghi e a Ester Góes. Contei toda a história para eles, da minha substituição na peça do Oficina, da estréia no Rio. O Renato me confidenciou que tinha largado tudo porque não agüentava mais o processo de criação no Oficina. 
De repente me veio o óbvio, o que vocês estão fazendo aqui? 
Vim fazer o teste, disse ele. Quero fazer o teste contigo! 
Que teste? 
Coloquei ele e a Ester para fazerem parte do elenco do Frank V. Eram os atores principais da peça. Foi uma coincidência muito grande. 
Recentemente o Renato fez um espetáculo contando coisas da vida dele. Ele fez uma menção especial a mim, inclusive dizendo da alegria que foi depois de sair do Oficina, ficar uns dias sem trabalhar, sem saber o que fazer e depois conseguir um personagem tão bacana num espetáculo tão bom... 
Os Tambores da Noite, de Brecht, e A Semana, de Carlos Queirós Telles, foram encenadas numa salinha pequena, transformada em espaço cênico no Teatro São Pedro. Enquanto Frei Caneca e Frank V foram encenados na sala grande do teatro. 
Nessa época também dirigi O Processo de Joana d’Arc, de Brecht, na Escola de Arte Dramática da Universidade São Paulo. Foi um exame público dos alunos do segundo ano e fui chamado para dirigir. Uma dessas alunas ficou famosa e depois trabalhou comigo, a Selma Egrei, que fez o papel da Joana d’Arc. No ano seguinte a chamo para trabalhar em Frank V, com o Renato Borghi e a Ester Góes. 

O ano de 1973 foi agitado, faço uma peça em São Paulo Um Grito Parado no Ar, de Guarnieri, e no Rio de Janeiro faço a direção de Calabar, 
o Elogio da Traição, de Chico Buarque e Ruy Guerra, que foi proibida pela censura. 
“Mais que Nunca É Preciso Cantar” 
No verso de Vinicius de Moraes, em plena ditadura, o trabalho de Um Grito Parado no Ar foi uma forma de manter vivo o teatro. Era uma época em que se ouvia Guarnieri afirmar: por mais graves que sejam os problemas que cercam 
 o teatro brasileiro, não vejo justificativa para 
 o abandono do campo. Ao contrário, cada vez com mais urgência o artista de teatro, seja ator, autor, diretor é chamado a defender sua arte, seus princípios, sua posição. Independente dos fatores, sem dúvida passageiros, que possam prejudicar sua criação... 

Um Grito Parado no Ar foi uma produção da Othon Bastos Produções Artísticas, em 1974. O Guarnieri escreveu a peça especialmente para essa produção e que tem uma relação direta com a questão teatral. Assim como Ponto de Partida teve uma relação com a morte do Vlado. 
O tema é a censura, a produção teatral. O Guarnieri fez uma análise muito forte desse momento em que estávamos vivendo. O espetáculo teve uma repercussão muito grande. No elenco: Othon Bastos, Marta Overbeck, Enio Carvalho, Sonia Loureiro, Assunta Peres e Oswaldo Campozana. A estréia foi em Curitiba, no Teatro Guaíra, depois veio para São Paulo, no Teatro Aliança Francesa. Mais tarde entram no espetáculo a Miriam Mehler, Renato Borghi, Liana Duvall, Ivone Hoffman e mais gente. 
Dirigir esse espetáculo foi uma experiência fascinante. Porque dialeticamente fui dirigido por ele. O texto possui uma teatralidade potencial que se articula no palco de forma quase espontânea. São poucos os espetáculos que fiz até hoje que sinto como tão pessoal, tão meu. Mas o grito é de todos nós. A peça não descreve a biografia de ninguém, nem retrata este ou aquele integrante da chamada classe teatral. Mas cada personagem reúne uma série de características que estão na vida real de muitos atores, atrizes e encenadores. A peça trata da vida de todos nós. 
Estruturei o espetáculo sem me preocupar com a elaboração de uma rigidez formal. Não existia pré-estabelecida pela direção uma organização cênica em termos de espaço ou de linguagem visual. Os atores improvisavam seus movimentos, que a cada dia eram determinados por motivações interiores e pela compreensão do verdadeiro conteúdo de seus relacionamentos, uns com os outros. Numa primeira fase de trabalho analisamos minuciosamente o texto. Não só para descobrir o seu significado, mas para fixar sua estrutura dramática e cênica, seus movimentos internos e externos, a condução de seus temas, os momentos da ação, a progressão ou a eventual interrupção da mesma. Adquirimos com esse exercício uma consciência clara do movimento dinâmico e ideológico dos personagens em comparação com a realidade e com os modelos vivos que conhecemos. 
E a peça trata da vida de todos nós. De forma aberta ou velada estamos, todos, em algum momento de algum personagem, ou em mais de um, com Um Grito Parado no Ar. Em 124 cenas determinávamos o conteúdo de cada uma. Às vezes a cena era apenas uma frase ou uma palavra, outras vezes, apenas o silêncio. No estudo das entrelinhas, das pausas, do não-dito, do sugerido. Depois partimos para a fixação do comportamento dos personagens, da forma histórica como se relacionam entre si em cada situação específica. Assim estruturei o espetáculo. O resto ficou livre: a exteriorização formal pode e deve ser reinventada a cada dia. E era permanentemente reestimulada pela realidade cotidiana, pela participação ativa na vida, como cidadãos e homens de teatro. Para quem fazia 
o espetáculo, ler o jornal diariamente era uma forma de ensaio. Nos laboratórios os atorespersonagens se descobriam a si mesmos e, ao mesmo tempo, minados por seus problemas pessoais, pela crise financeira que os destrói e pelo terror psicológico que os castra, descobrem também a sua impotência. 
O movimento teatral brasileiro da época vivia a reflexão crítica sobre o momento. Estávamos limitados pela censura e Guarnieri quis escrever um roteiro para ser ampliado, modificado, discutido. Mas existindo a censura, nosso grito foi em cada apresentação, um atestado de nossa liberdade de criação cerceada, a afirmação de uma limitação que nos foi imposta. Mas no grito, o objeto de estudo é o esmagamento do homem pela sociedade. Com a ditadura havia uma despolitização total da cultura brasileira, um esvaziamento de nossa cultura, mas havia uma reação contra isso. O teatro manteve vivo a sua verdade crítica. É por acreditar no homem que existiu Um Grito Parado no Ar. Homem enquanto ser socialmente oprimido, mas capaz de alterar sua própria condição social à luz da história. 
Em alguns ensaios eu me sentia diretor de tráfico e conselheiro espiritual: reunia o elenco apenas para resolver problemas de circulação e aconselhava ou apoiava, sem nada impor, uma ou outra idéia. Juntos fomos, pouco a pouco, encontrando as soluções cênicas. Foram tantos momentos. Teve uma cena em que Othon Bastos faz um monólogo central da peça de costas para a platéia, dirigindo-se de frente a seus companheiros de elenco, atinge uma força cênica que nunca seria possível se estivesse de frente para o público. Mas quando ergue o corpo assassinado da estudante baleada na rua, seu primeiro movimento é encarar em silêncio o público. 
Essa peça foi um ato de amor pelo teatro e pela profissão, que Guarnieri colocou com angústia e fé e eu procurei assumir como meu, como nosso. E que se define numa fala do personagem dire-tor, que por brincadeira do Guarnieri chamavase também Fernando, que dizia: Eu só sei me comunicar através disso que está aí, o teatro. E está cada vez mais difícil! 
Calabar é Proibido 
Um dia chegam em São Paulo Chico Buarque e Ruy Guerra. Me entregam o texto Calabar e vão assistir a Frank V, no Teatro São Pedro. Fui ler Calabar no bar Riviera... 
Depois do espetáculo nos encontramos na Baiúca. Eles haviam gostado de Frank V e eu de Calabar. O texto falava de uma reflexão sobre o hoje e o aqui, sobre a responsabilidade, a ética, a opção e os possíveis destinos do homem num mundo de guerra e paz. E a figura de Calabar, que desde a escola primária nos ensinam que foi um traidor, para os holandeses, entretanto, Calabar é um herói. Ruy Guerra e Chico Buarque desmistificam, com inteligência e sensibilidade, 
o conceito de traidor. 
Em Calabar o passado é revisto com a lucidez de quem vive o presente: com a consciência de quem mergulha na História em busca de uma compreensão do mundo de hoje. Calabar é, nesse senti-do, uma reflexão aberta, irônica e provocativa, teatral e musical, grotesca e crítica, existencial e materialista sobre o significado da traição. 
Brecht afirma em Galileu Galilei: Infeliz o país que tem necessidade de heróis. Em certo sentido, 
o texto de Calabar parece afirmar: infeliz o país que tem necessidade de traidores! O holandês Nassau assume o sonho de Calabar: o utópico sonho de um país mais livre! E o guerrilheiro Calabar troca de lado, e na guerra entre portugueses e holandeses, estes levam a melhor, começam a triunfar, ganhar território e a expulsar os portugueses de Pernambuco. Em seu governo as cidades crescem, os senhores de engenho perdem seu domínio econômico e político. 
Em Calabar todos os personagens vivem na lama da traição e estão perdidos numa selva de traidores. Um texto importante para aquele momento! 
O texto de Calabar, o Elogio da Traição foi liberado pela censura em abril de 1973, mas ainda dependia do ensaio geral, que, segundo a lei da época, era assistido poucos dias antes da estréia pela Censura Estadual, para fornecimento do respectivo alvará. Durante os meses seguintes Chico e Ruy procuram um produtor, o Fernando Torres, um encenador, eu, e juntos acertamos os nomes da equipe. Em agosto fizemos os testes para o elenco, quase 400 pessoas foram entrevistadas no Rio e em São Paulo. No mês seguinte foram iniciados os ensaios e a contratação de 45 atores, músicos, técnicos, ao mesmo tempo que era iniciada a construção do cenário, no Teatro João Caetano, e a confecção de figurinos. Os play-backs do espetáculo foram gravados por dezenas de músicos. Tudo se acerta! 
Um mês depois, o espetáculo estava pronto e com a estréia marcada para 8 de novembro. A empresa Fernando Torres Diversões tenta marcar 
o ensaio geral para conseguir o alvará do espetáculo. Aí começam nossas desconfianças sobre a liberação do espetáculo. Um comunicado da censura informa que a peça estava em instâncias superiores para reexame. Continuamos os 

ensaios e tomamos providências para filmar os ensaios. A solidariedade era de todos. Essa era a nossa modesta atitude frente à resistência: continuar! Resolvemos a partir daquele momento realizar os ensaios de portas abertas. Lembrome que num dos nossos últimos ensaios tinha até baleiro na platéia vendendo chocolate. As pessoas aplaudiam em cena aberta algumas cenas! Mas as notícias sobre o espetáculo foram piorando: a Polícia Federal proibiu o espetáculo no Teatro João Caetano, além da proibição da palavra Calabar na imprensa! 
Em 12 de novembro, o advogado da empresa consegue uma entrevista com o general Bandeira, da Polícia Federal, que diz que um parecer sobre o caso somente será dado dentro de três a quatro meses. Era tempo demais de espera! No dia seguinte, os ensaios foram suspensos porque não tínhamos condições econômicas para manter a continuidade da produção e esta é dissolvida. Foi frustrante, porque o espetáculo estava maravilhoso. Toda uma equipe excelente envolvida no processo criativo. Eram muito gostosos os ensaios e estávamos ensaiando com muita força. 
Somente em 1980, Calabar será encenado, com algumas modificações no texto; e com produção de Othon Bastos, Martha Overbeck e Renato Borghi. 
Calabar não morre. Calabar é cobra de vidro. E 
o povo jura que cobra de vidro é uma espécie de largato que, quando se corta em dois, três, mil pedaços, facilmente se refaz. 
Palco de Inquietações 
O ponto de inspiração de Guarnieri para escrever em 1976 Ponto de Partida foi a morte de Vladimir Herzog, amigo e companheiro. A peça não faz referência direta, mas a sua morte, seu assassinato abalou profundamente a todos. Foi 
o terceiro espetáculo da companhia de Martha Overbeck e Othon Bastos. Há uma morte numa praça e são jogados todos os elementos que estão por trás da morte de Vlado. O texto começou a ser escrito na Praia Vermelha, no Rio. Uma noite a Martha ligou para saber como andava o trabalho, e me lembro que o Guarnieri disse a ela que estava na fase de revisão. Este foi meu terceiro espetáculo com a companhia. Sérgio Ricardo fez a música e teve a participação musical do grupo Maria Déa, que foi essencial para a integração som e palavra. 
O espetáculo foi maravilhoso! Não sei se todo mundo percebia que foi inspirado na morte de Vlado. Sei que foi um dos espetáculos que mais me emocionaram fazer. 



Em 1977 vem Mortos sem Sepultura, texto de Jean-Paul Sartre, para dar continuidade ao debate ideológico e político proposto por Ponto de Partida. Nessa época havia uma produtora que estava se firmando em São Paulo, a Difusão, de Sérgio Motta. Essa produtora reuniu Guarnieri, Ruy Guerra, Marcus Vinicius e outros. Propus o texto de Oswaldo Dragún, Túpac Amaru, que ha-via traduzido um ano antes. Narrava os últimos dias, tortura e assassinato do líder inca. Mas foi proibido pela censura. 
Propus então Mortos sem Sepultura, do Sartre. Era a possibilidade de discutir a tortura, mas com ação desenvolvida na França, ocupada pelos nazistas. Havia um problema, naquela época: com a ditadura, Sartre havia proibido a encenação de suas peças no Brasil enquanto durasse a ditadura militar. 
Consegui um contato na França e telefonei para 
o Sartre. Expliquei a ele que compreendia sua razão ao dizer que já que havia ditadura suas peças estariam proibidas de serem encenadas no Brasil. Mas que eu estava querendo montar a peça dele justamente por causa da ditadura, pela existência da temática política da peça. Sartre liberou na hora! 

Todo o meu trabalho foi por uma ação política, popular e cultural. Sobretudo nessa época. Era uma forma de dar o recado, um jeito revolucionário, uma preocupação com a realidade na qual estávamos inseridos. Sempre tive essa formação paralela com o teatro. Uma preocupação com a situação política do País, desde jovem, quando morava ainda em Porto Alegre. Era uma necessidade de fazer um teatro com um significado político, de misturar a arte com a questão social e política do País. Fazer com que o espetáculo fosse um processo de reflexão sobre a realidade daquele momento. Alguns espetáculos foram proibidos, outros conseguiram passar e provocar esse diálogo. A intenção de montar Sartre foi nesse sentido. Fui buscar isso. 
A mesma preocupação quando dirigi a peça Coiteiros, em 77, na Paraíba. Uma adaptação de um romance de José Américo. A situação social na Paraíba, outra realidade de um mesmo país. Era também um texto político, com uma série de elementos para provocar uma reflexão. Como Ponto de Partida, que Guarnieri escreveu para mim em função da realidade em que vivíamos: a morte de Herzog que nos atinge e foi muito forte. Nós dois estávamos com isso na cabeça, surgiu o texto e que depois vamos encenar. 
Rádio na Alemanha 
O principal trabalho foi como ator na Deutsche Welle, em Bonn. Coordenava e fazia assistência de edição; também atuei e fiz assistência de direção. Minha ida para lá começou com uma historinha meio maluca. Estava na Alemanha passando uns dias na casa do Leandro Konder, que estava exilado. Um dia estava andando na rua e um cara veio na minha direção. O senhor é o ator Fernando Peixoto? 
Eles iam gravar uma peça radiofônica em português, para ser enviada ao Brasil. E estavam reunindo brasileiros que moravam lá. Um ator, que fazia um personagem, teve um problema e não poderia ir, e tinham que gravar no dia seguinte. Eles souberam que eu era ator e que estava hospedado naquele lugar. Perguntaram se topava: Claro! Mas não tinha idéia do que era a peça. 
No dia seguinte mandaram um carro para me pegar e me deram o texto, a peça se chamava Cruelândia, de Hubert Wiefeld. Era uma participação pequena, mas as cenas eram todas num castelo. Pensei que íamos para um estúdio, mas me levaram para um castelo! Começaram a gravação e comecei a ficar fascinado. Parecia cinema. Era uma coisa assim: o personagem es
tava caminhando na rua, então você faz a cena caminhando, o microfone no alto, do meu lado. Depois pára, faz a cena de novo, com o microfone no alto do lado do outro ator. Foram três vezes diferentes na mesma cena. Depois eles montam, como cinema, onde filmam de longe, de perto, faz close, depois volta o meu close. Era só voz, e ela ficava gravada em diferentes pontos. As vezes a voz é mais baixa, a minha é mais alta ou ao contrário. Descobri que eles trabalhavam feito cinema. Fiquei fascinado com isso. O diretor, Klaus Mehrlander, era muito simpático, conversei muito com ele. Foi um dia todo de gravação. Foi maravilhoso! Nada em estúdio, tudo ao ar livre. 
Isso foi em 1975. No final de 78, toca o telefone em minha casa, eu atendo e era o diretor dessa peça de rádio. Ele me disse que iriam fazer uma série de gravações, durante quase o ano inteiro, de textos latino-americanos para um grande festival que iria acontecer por lá. Ele disse: precisamos de alguém da América Latina que conheça bem esses países. Pensei em você. E como gostou do trabalho que fizemos juntos, não quer vir para cá? A gente te paga a passagem e a estadia, quase o ano inteiro. Você fica aqui com a gente e o salário é tal... 
Eu topei. Fui para a West Deutscher Rundfunk em Köln e trabalhei como assistente de direção em muitas peças radiofônicas. A gente gravava no máximo uns 20 dias por mês em Colonia. Ficava então livre uns 10 dias. Pegava um trem e ia para outras cidades. Foi uma experiência fantástica! 
A Música Como Inspiração 
A música sempre fez parte de minha vida. Dirigi muitos shows, com muitos cantores famosos. Era mais uma coordenação geral. Dava uma estruturada, com um a dois ensaios. Mas consegui reunir gente muito importante em todos eles, tanto em musicais como em leituras. Fiz vários eventos especiais de homenagens, como para Érico Veríssimo, Tristão de Athayde, Procópio Ferreira, neste reúni Bibi Ferreira, Paulo Autran, Guarnieri e muitos outros. Foram vários shows políticos, como o 1º de Maio no Riocentro, no Rio, fui responsável pela direção cênica do histórico show. O roteiro era de Chico Buarque e participação de todos os grandes nomes da canção popular brasileira e também do compositor e cantor português Sérgio Godinho. Foi organizado pelo Centro Brasileiro de Ação Democrática, em 30 de abril de 1981, o dia do feitiço contra 
o feiticeiro, quando explodiram duas bombas levadas pelos militares que sabotariam o espetáculo, mas o show não foi interrompido. Esse episódio virou livro. 
Em 1968 o Oficina foi representar o Brasil, com O Rei da Vela, na IV Rassegna Internazionale dei Teatri Stabili, em Florença, e no Festival de Nancy, na França. Todos os órgãos oficiais recusaram qualquer tipo de ajuda financeira. Para auxiliar a arrecadar fundos encenamos no Rio o show Oficina com a participação de Chico Buarque, Maria Bethânia, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Nara Leão e muitos outros. Foi a minha primeira experiência como diretor de espetáculos musicais com vários cantores. 
Mas a minha primeira direção em show musical foi com Nara Leão, também em 68, em Porto Alegre. Já estava integrado no elenco e na direção do Teatro Oficina, e em temporada no Sul com Os Pequenos Burgueses, de Gorki. Nara foi à cidade para inaugurar o bar Encouraçado Butikin. Os donos do bar pediram uma tarde de sábado no Teatro Leopoldina, onde estávamos com a peça de Gorki, para um espetáculo especial com Nara. Me chamaram para dirigir e escrever o roteiro, inspirado nos sucessos de Opinião e Liberdade, Liberdade, onde Nara ha-via participado. Não havia tempo para escrever. Num quarto de hotel decidimos, vamos fazer um show-verdade. Resolvi fazer o espetáculo de forma improvisada. Conduziria o show, entrevistando a platéia e fazendo o público entrevistar Nara, e conduzindo da falação às canções. Assim nasceu o Canto Livre de Nara, título de um disco que ela havia acabado de lançar. O espetáculo, que estava previsto para durar uma hora e meia, durou três horas. 
Foi maravilhoso fazer os 100 Anos Brecht e 100 Anos Eisler, em 98, com a soprano Andréa Kaiser e o pianista Rubens Ricciardi. Criamos juntos o espetáculo a partir dos principais momentos da música de Brecht. Fiz a direção cênica. 
Outro espetáculo que gostei muito de realizar foi Você Conhece Eisler? ou Se os Tubarões fossem Homens, também textos do Brecht e Hanns Eisler, em 81. Veja que recebi uma tese só sobre esse espetáculo com 500 folhas. 
Fascínio pela Ópera 
Sempre gostei muito de ópera. Depois de quase dois anos na Europa, onde havia mergulhado nos espetáculos de óperas, sobretudo nas duas Alemanhas. A linguagem cênica da ópera é teatral e visual, que vai sendo desenvolvida. A forma de trabalhar os atores, e a linguagem teatral se misturando ao significado da música. A consistência musical, de ponta a ponta. Não é um musical que joga elementos, mas é preciso trabalhar o tempo todo com a música. E isso sempre me fascinou muito. E de repente surge uma possibilidade de fazer a primeira direção que foi o Werther, de Massenet, em 1979. A partir daí fiz várias. Durante toda a década de 80 vou dirigir mais óperas: O Navio Fantasma, Lo Schiavo, Madame Butterfly, entre outras. 
Todas elas me pegaram muito, foram momentos fortes. Wozzeck, de Alban Berg, por exemplo. Era um sonho. Tinha um fascínio pela peça de Büchner, de onde é baseada a peça. Havia tentado montar duas vezes, sem conseguir. Em 1982, Mário Chamie, secretário municipal de Cultura de São Paulo, me chamou para dirigir esse projeto irresistível. Wozzeck tinha elenco brasileiro e alemão. Mergulhei na ópera e nas discussões com Gianni Ratto sobre cenografia e fui auxiliado, de maneira decisiva, pelo maestro inglês Harry Lyth, que foi contratado para preparar o elenco. O maestro da ópera era Isaac Karabtchevsky. Nosso encontro foi uma integral identificação e cresceu uma grande amizade, além da admiração por seu trabalho de extrema sensibilidade e penetrante vigor. 
A ópera Café, de Mário de Andrade, foi outro desafio. Há muitos anos queria encená-la. Quando li a notícia que Koellreutter havia escrito música para Café, imediatamente entrei em contato com ele e fizemos o espetáculo juntos. 

Koellreutter assistia a todos os ensaios, era uma pessoa maravilhosa. 
Café é uma reflexão crítica sobre decisivo episódio da história de Santos: a crise do café no final da década de 20. Mário descreve o confronto entre opressores e oprimidos, concluindo com a necessária vitória de uma revolução operária. Mas ele não situa a ação em Santos, ele universaliza o tema: não se passa em país nenhum. 
É um fascinante episódio de luta popular, apoiado em vigorosa e intensa força do texto e da música. Sua força poética e política dos versos, das palavras, constrói, com os recursos da dramaturgia, uma ópera coral, um oratório de grande força inventiva. 
Café finalmente foi encenada em 1996, em Santos, mas ainda permanece atual: em nossa sociedade ainda predominam a injustiça e a exploração do homem pelo homem, captados por Mário de Andrade em 1942, época em que Café foi escrita. 
Artistas Exilados 
Quando Murro em Ponta de Faca, de Augusto Boal, ficou pronta em 1978, não pude dirigir a versão original porque estava na Alemanha com uma bolsa de radioteatro. Quem dirigiu aqui foi Paulo José. Boal escreveu a peça para mim. Uma vez perguntei para ele: você tem muita experiência de viver no exílio, por que não faz uma peça sobre isso? Fui dirigir Murro em Ponta de Faca, em final dos anos 90, em Estocolmo, na Suécia. 
Numa de minhas viagens à Berlim encontrei um amigo, o chileno Alejandro Quintana, que estava como diretor no Berliner Ensemble de Brecht. Ele me conta que saiu do Chile, durante a ditadura, e foi para a Alemanha. Nessa conversa ele comenta sobre seu exílio e me pergunta se já havia dirigido fora do País. Contei que tinha feito um trabalho rápido em Montevidéu e que gostaria muito de ter outra experiência de trabalhar fora do País. Tempos depois, o Alejandro foi sondado pelo grupo de Teatro Popular Latino-Americano, de artistas exilados chilenos, que moravam em Estocolmo, para dirigir a peça de Boal. Alejandro já havia dirigido na Suécia uma versão dessa mesma peça. Como não poderia ir e sabia da minha amizade com o Boal, me indicou: tenho uma pessoa que é um diretor brasileiro... Como o grupo não me conhecia, entraram em contato com o Boal... Pronto, definitivamente fui escolhido para dirigir a peça na Suécia. Lá o título ficou sendo El Cuchillo por El Filo, ou, em sueco, Resa Utan Slut (Viagem sem Regresso). 


Bernardo Llorens, diretor do grupo de Teatro Popular Latino-Americano, me telefonou, fiquei surpreso e emocionado: puxa! Fui para lá imediatamente e montei o espetáculo. Poucos dias depois de minha chegada a Estocolmo, fui uma noite à cidade de Kungsor assistir a uma apresentação dessa peça na versão de Alejandro Quintana. Um belíssimo espetáculo, com o grupo Länsteatern, de Västmanland. E lá encontrei o Boal. Que depois voltou à Suécia para assistir à estréia do meu espetáculo, que foi em 11 de setembro de 1990. 
Foram quarenta dias de ensaio. Foi uma experiência inesquecível. Conheci muita gente de teatro, fui muito bem recebido na sede sueca do Instituto Internacional de Teatro (ITI) da Unesco e em outras sociedades culturais. Mas sobretudo tive uma fascinante experiência de contato com uma quantidade imensa de exilados latino-americanos, inclusive artistas, poetas e escritores. Os exilados são uma realidade muito forte na vida da Suécia. 
Exílio era o tema da peça e pude conhecer mais intimamente o que significava ser obrigado a viver fora do país da gente. O inesperado e o novo, o desconhecido e o diferente, as contradições do cotidiano e a crise ou redescoberta da identidade; o confronto entre realidades humanas e culturais diversificadas, o que existe de difícil, mas também de rico, nessa experiência da vida. Esse conhecimento me ajudou muito a realizar o espetáculo. Foi uma experiência vigorosa, perturbadora e transformadora. Os exilados chilenos nunca voltaram, ainda estão lá na Suécia. 
Eu nunca estive exilado. Quase. No dia seguinte ao golpe de 64 fui me esconder numa casa cedida por uma amiga no litoral de São Paulo. Depois de uns 10 dias fui para Porto Alegre onde, conhecido e militante do PCB, fiquei um mês, certo que teria que atravessar a fronteira para o Uruguai a qualquer momento. Mas acabei arriscando regressar para São Paulo. 
Uma Escola Itinerante 
A Escola Internacional de Teatro da América Latina e do Caribe (Eitalc) nasceu num encontro de artistas e intelectuais, em Havana, durante o III Encontro de Teatro da América Latina e do Caribe, organizado pela Casa de las Américas de Cuba, em abril de 1987. Fui um dos fundadores. Numa discussão sobre a situação do ensino teatral em nossos países, surgiu uma proposta instigante no meio dos debates: de criar uma escola de teatro. São inúmeros países latinoamericanos com técnicas de trabalho de extremo vigor poético e teatral desenvolvidas por grupos, em permanente atividade de investigação de linguagem. Processos que precisariam ser experimentados na prática e certamente despertariam inesperadas forças de invenção. 
Essas idéias básicas deram estrutura à Eitalc: o ensino concebido como troca de técnicas e processos numa vivência cênica concreta por meio de oficinas. De juntar, não de uma forma de uma escola tradicional, mas de uma escola itinerante, para reunir pessoas de diferentes processos de trabalho, de diferentes países e grupos. Criar uma relação entre eles. O importante seria conhecer como o outro trabalha. A direção da escola ficou com Oswaldo Dragún, dramaturgo argentino, grande amigo, que já faleceu. 
Em abril de 1988, em Havana, a comissão de organização formada por representantes eleitos de nove países definiu como objetivo central da Eitalc: incentivar o desenvolvimento dos criadores teatrais do continente e contribuir para sua formação e aperfeiçoamento, de uma perspectiva que, sem desprezar, mas procurando assimilar as melhores contribuições do teatro mundial, se inspire na defesa e na pesquisa de nossa identidade latino-americana e caribenha e nos ideais de libertação e soberania de nossos povos. 

Os resultados foram extraordinários, eram discussões, não havia regra, às vezes chamava uma pessoa para fazer uma oficina, ou chamava um grupo. A primeira oficina foi realizada em Machurrucutu, em Cuba, em 1989, com o tema 
Técnicas Atuais de Criação Teatral na América Latina e no Caribe baseado no livro Memórias do Povo, de Eduardo Galeano. Participaram 60 atores e atrizes, cinco pesquisadores de teatro, entre eles o crítico Yan Michalski, do Brasil. 
Artistas de diferentes países vieram na segunda oficina organizada no Brasil. Aqui, representantes de 14 países latino-americanos e europeus fizeram uma oficina de três semanas com o Antunes Filho e seu grupo Macunaíma. Mas não era só aula. Depois a gente ía para um bar, ou almoçar, sair junto para um bate-papo e aí ficamse sabendo mil coisas. A idéia era esta: integrar os participantes de diferentes países no espaço social e na comunidade onde eles produzem. Depois surgiram processos de trabalho em diferentes países, novos grupos foram fundados e organizados. Muitos brasileiros têm participado. Já aconteceram 60 oficinas durante esses 22 anos de criação da escola. 
A Eitalc não tem limites. No começo pensou-se apenas na América Latina e no Caribe, mas encontros e pesquisas de trabalho já foram também realizados na Europa. A sede atualmente é no México. Trata-se sem dúvida de um sonho, que foi possível transformar em realidade. Um trabalho inédito e permanente, sempre marcado pelo fascínio do imprevisível. 


Capítulo III 

Revelando o Teatro 
O primeiro livro que escrevi na coleção Vida e Obra, da Editora Paz e Terra, sobre Brecht foi uma invenção do Leandro Konder. Estavam procurando alguém para escrever e o Leandro, que é muito amigo, me indicou. Quando fiz o Brecht, me fascinou fazer a história dele relacionado com a ação social e política em que ele viveu. Ele passa pelo nazismo, o exílio nos Estados Unidos e outros países, pela criação da República Democrática Alemã e pela experiência do socialismo alemão. Quando me pediram um segundo livro, pensei em Maiakovski, sua vida traçada com a revolução soviética de fundo. Depois queria escrever sobre Garcia Lorca porque pegaria todo o golpe na Espanha, o franquismo. Este livro não toparam, mas surgiu a idéia do Sade. Tinha lido alguns livros do Sade, meio pornográfico, mas tinha toda a estrutura da Revolução Francesa, que está por trás. A idéia era falar sobre ele e toda a estrutura política em que seus livros estão inseridos, base do humanismo. 
A origem da Introdução do Teatro Dialético é meio maluca. Fui chamado pelo Instituto Goethe para fazer uma série de palestras sobre o tema. 
Preparei tudo, estudei, pesquisei. Um dia antes de começar o ciclo de palestras, tive uma inflamação de garganta e fiquei sem voz. O médico me disse que precisava ficar uma semana sem falar. Cancelei as palestras e fiz o livro, fiquei em casa e escrevi. Tenho até o depoimento de Brecht quando foi depor nos Estados Unidos, o interrogatório dele. Essa história está no livro A Histeria Anticomunista em Hollywood, é uma delas. 
Outro personagem que me fascinou foi o Büchner, e escrevi sobre a dramaturgia do terror. Queria fazer também o que é ópera, e eles toparam. Minha grande temática era como trabalhar a encenação em função da música, não só do texto teatral, mas a estrutura musical. A minha experiência com a ópera é muito grande e fascinante, principalmente as que dirigi com o maestro Isaac Karabtchevsky, uma figura extraordinária, porque ele assistia quieto aos ensaios da encenação e se o cantor dizia: não posso fazer este movimento porque tenho que olhar para o maestro. Isaac dizia: não precisa olhar. Acontecia também o contrário: deixe o ator de frente. Ele me ajudou muito nos trabalhos, nos ensaios. Foi aí que nasceu o livro Ópera e Encenação. 
Um Teatro Fora do Eixo, um livro que escrevi pela Editora Hucitec (SP) em co-edição com a Secretaria Municipal da Cultura de Porto Alegre, em 1993, teve uma repercussão bem maior do que esperava. Pensei nos leitores do Rio Grande do Sul, mas despertou grande interesse fora de lá. Era uma reflexão sobre a realidade da produção e do cotidiano do teatro do Sul entre 1953 e 1963. Tive a idéia de escrever sobre o teatro do Sul, quando fui a um debate em Porto Alegre. E como a casa de minha mãe estava em reforma, fiquei hospedado em um hotel. No dia seguinte, bem cedo, uma menina muito simpática me liga e me diz que estava fazendo uma pesquisa de escola sobre o teatro gaúcho. 
Me disseram que você ia chegar e o meu professor de teatro me deu a idéia de te procurar para fazer umas perguntas. 
Por telefone mesmo ela começou: a tal peça que você trabalhou, e quando você dirigiu o espetáculo tal... Ela me fez várias perguntas. Algumas respondi, mas várias questões que ela colocava não eram verdades. Ficou uma situação chata e eu disse que não dava para continuar conversando com ela. 
Fiz a tal palestra e no dia seguinte ia logo embora, mas o telefone tocou cedo, com a mesma voz. Era a mesma menina me dizendo: estou aqui embaixo na portaria, me desculpe se estou te incomodando, mas te trouxe o xérox dos vários 
assuntos que pesquisei para fazer a entrevista com você. Onde está marcado tudo o que te perguntei e que você falou que estava errado. 
Ela deixou o material e foi embora. Peguei o material e li várias informações publicadas na imprensa, como as peças encenadas por Paulo José, Fernando Peixoto etc. Mas não era eu, nunca tinha feito aquela peça! Ou a direção realizada por Fernando Peixoto, outra peça inexistente. Havia uma quantidade imensa de coisas grifadas com informações incorretas e que a menina não tinha culpa nenhuma. Tudo que ela havia me perguntado realmente havia tirado do material da imprensa. Eram erros de ortografia, outros de informação. 
Antes de ir embora para o aeroporto, resolvi fazer uma caminhada e encontrei um amigo que trabalhei no teatro, foi prefeito de Porto Alegre, 
o Plínio Perez, era jornalista. Hoje existe até um espaço no centro da cidade com o nome do Plínio. Ele me falou que estava querendo montar aquela peça, que você estava no elenco. Fiquei quieto e pensei: nunca fiz esta peça infantil. Ou será que tinha me enganado? Isso aconteceu uma hora depois das informações incorretas da pesquisa da menina. Quando cheguei em casa, em São Paulo, fui direto para o meu arquivo verificar a lista de peças, e comprovei que realmente não havia feito a tal peça infantil. Memória errada. Então pensei: vou organizar este material que publiquei na imprensa do Sul. Vou tentar fazer uma reconstituição de todo o meu trabalho no teatro e jornalismo no Sul. 
Mesmo assim, na primeira edição do livro, saiu o nome errado do P.F. Gastal, o jornalista, crítico de cinema que me convidou para escrever sobre teatro no jornal. O livro começa com a frase caindo no mesmo erro de por que escrevi o livro Um Teatro Fora do Eixo. 

Bibliografia de Fernando Peixoto 
Ed. Paz e Terra: 
• Brecht, Vida e Obra (1968) 
• Maiakovski, Vida e Obra (1969) 
• Sade, Vida e Obra (1970) 
• Brecht: uma Introdução ao Teatro Dialético 
(1981) 
• Ópera e Encenação (1986) 
• Hollywood: Episódios da Histeria Anticomunista (1991). 
Ed. Brasiliense: 
• O que é Teatro (1980) 
• Teatro Oficina; Trajetória de uma Rebeldia Cultural (1982) 
• Büchner (1983) 
• Vianinha – Oduvaldo Vianna Filho (antologias e biografias - 1983-1º edição) 
Ed. Hucitec: 
• Teatro em Pedaços (1980) 
• Teatro em Movimento (1985) 
• Teatro em Questão (1989) 
• Um Teatro Fora do Eixo (1997) 
• Teatro em Aberto (1997). Ed. Global: 
• O Melhor Teatro do CPC da UNE (organizador -1989). 

História de uma Carreira 
Cinema (ator, assistente de direção, roteiro) 
2002 
• Teatro em Movimento 
Curta-metragem -Direção: Rodolfo Garcia Vázquez -Roteiro: Ivam Cabral e Rodolfo G. Vázquez -Produção: Companhia de Teatro Os Satyros -Fotografia: Carlos Ebert -Continuísta: Florence Weyne Robert -Elenco: Fernando Peixoto (Flávio, o diretor), Ivan Cabral, Silvanah Santos, Mazé Portugal, Letícia Coura, Adriana Capparelli, Dulce Muniz, Telma Vieira, Patrícia Aguille, Dimas Bueno, Andréa Cavinato, Paula Ernandez, Germano Pereira, etc. 
2000 
• Coda 
Direção: Flávio Barone e Rosane Santiago -Fotografia: Joel Lopes - Assistente de direção: Flávio Queiroz - Continuidade: Roberta Barros - Elenco: Fernando Peixoto (mordomo José), Antonio Abujamra, Antonio Fagundes, André Abujamra, Elizabeth Reis, etc. 
1995 
• São Paulo: Sinfonia e Cacofonia 
De Jean-Claude Bernardet -documentário sobre São Paulo com trechos de vários filmes realizados em SP, inclusive em que apareço em Gamal, Delírio do Sexo, de J.B. de Andrade 1969 
1994 
• Dente por Dente 
De Alice de Andrade -Curta-metragem -Roteiro: Alice de Andrade -Fotografia: Dib Lutfi -Elenco: Letícia Sabatelli, Pedro Cardoso, Fernando Peixoto, Ney Latorraca, Sérgio Mamberti, Marcélia Cartaxo, Jacqueline Lawrence, Candido Damm, Buza Ferraz, Yara Jamra, Ana Maria de Andrade, etc. - Produção: Superfilmes (Brasil) e Les Films Armand Brière (França) 
• Correspondência 
Curta-metragem -Escola de Comunicação e Arte da Universidade de São Paulo - Direção: Eliane Coster e Sérgio Audi -Roteiro: Eliane Coster -Fotografia: Eliane Coster e Sérgio Audi -Elenco: Vic Molittello, Fernando Peixoto, Renato Consorte e outros - Direção de Arte: C. Bacci e Janice D’ Ávila - Som: Rosemary Sgashima 
1993 
• Resignação 
Curta-metragem - Direção e roteiro: Isídio Cláudio Coelho Neto -Elenco: Fernando Peixoto, Renata Guimarães, Imara Reis -Produtor: Arthur Autran (ECA-USP) 
1988 
• A Faca de dois Gumes 
Da novela de Fernando Sabino -Direção: Murillo Salles -Assistente de Direção: Alice de Andrade - Roteiro: Alcione Araújo -Fotografia: José Tadeu 
-Elenco: Fernando Peixoto (Segundo Encapuzado), Paulo José, Marieta Severo, Úrsula Canto, José Lewgoy, Paulo Goulart, Bernardo Jablonski, José Abreu, etc. 
1987 
• Fiat Lux não é Marca de Fósforo 
Curta-metragem de Gilmar Candeias - Roteiro: Gilmar Candeias, diálogos adicionais de Reinaldo Maia, baseado no conto de Antonio Alcântara Machado -Fotografia: Roberto Santos Filho -Elenco: Fernando Peixoto (Delegado), Umberto Magnani, Edson Santana, etc. 
1985 
• Vianinha 
Curta-metragem de Gilmar Candeias e Jorge Achoa (direção e roteiro) - Fotografia: Roberto Santos Filho e Aluisio Raulino -Trilha sonora: Ana de Hollanda - Montagem Vanderlei Klein - Narração: Fernando Peixoto (trechos de Oduvaldo Vianna Filho), depoimentos de G. Guarnieri, Ferreira Gullar, Loen Hirzsmann, José Celso M. Correa, Deocália Vianna, Daniel Filho e Fernando 
Peixoto - Elenco: Raul Cortez, Luiz Nascimento, Armando Azari, Antonio Petrin, Rosali Papadoupol (em Rasga Coração), Fernando Peixoto, Reinaldo Mara e Edson Santana (em Papa Highirte), Amilton Monteiro (em Auto dos 99%) - Seleção de textos: Reinaldo Maia 
1984 
• O Beijo da Mulher Aranha 
De Hector Babenco -Elenco: William Hurt (Oscar de Melhor Ator em 1985), Raul Julia, Fernando Peixoto (figuração, como oficial nazista), Sonia Braga, Nuno Leal Maia, Milton Gonçalves, José Lewgoy, Antonio Petrin, etc. 
1980 
• O Homem do Pau Brasil 
De Joaquim Pedro sobre Oswald de Andrade - Elenco: Christina Ache, Ítala Nandi, Dina Sfat, Regina Duarte, Fernando Peixoto (como Coelho Neto), etc. 
• Eles não Usam Black-tie 
De Leon Hirzsman - Assistente de Direção: Fernando Peixoto - Elenco: G. Guarnieri, Fernanda Montenegro, Riccelli, Francisco Milani, Bete Mendes, Antonio Petrin, Paulo José, Anselmo Vasconcelos, Fernando Peixoto, etc. 
1979 
• O Homem que Tinha a Morte no Corpo (não realizado) Roteiro, adaptação e diálogos com Ruy Guerra (a partir do romance Vingança, Não de Francisco Pereira Nóbrega) 
1978 
• O Tronco (não realizado) Roteiro com João Batista de Andrade, do romance de Bernardo Elis 
1977 
• A Batalha de Guararapes 
De Paulo Thiago - Elenco: José Wilker, Renée de Vielmond, Jardel Filho, Nildo Parente, Tâmara Taxman, Fernando Peixoto, etc -Fotografia: Renato Neumann e Mário Carneiro 
• Doramundo 
De João Batista de Andrade, adaptação do romance de Geraldo Ferraz - Elenco: Armando Bogus, Antonio Fagundes, Irene Ravache, Assunta Peres, Oswaldo Campozana, Walter Marins, Rolando Boldrin, Fernando Peixoto, etc. 
1976 
• A Queda 
De Ruy Guerra e Nelson Xavier -Elenco: Lima Duarte, Isabel Ribeiro, Nelson Xavier, Fernando 
Peixoto, Helber Rangel, Álvaro Freire, Maria Silva, etc - Fotografia: Edgar Moura 
1975 
• Fogo Morto 
De Marcos Faria, adaptação do romance de José Lins do Rego - Elenco: Othon Bastos, Jofre Soares, Fernando Peixoto, Ângela Leal, Rodolfo Arena, etc. 
1974 
• O Predileto 
De Roberto Palmari -Produção: Lynx Filmes -Elenco: Othon Bastos, Suzana Gonçalves, Jofre Soares, Ruthinéa de Morais, Abrão Farc, Célia Helena, Xandó Batista, Fernando Peixoto, etc. 
• Cristais de Sangue 
De Luna Alkalay -Elenco: Rui Polanah, Salma Buzzar, Emmanuel Cavalcanti, Tuna Espinheira, Fernando Peixoto 
1973 
• O Herói Póstumo da Província 
De Rudá de Andrade (sobre Oswald de Andrade) 
– Participação especial 
• Sangria 
De Luna Alkalay (curta-metragem) 

1972 
• O Homem que Comprou a Morte 
De Maurice Capovila -Elenco: G.Guarnieri, Suzana Gonçalves, Fernando Peixoto, Luthero Luiz, entre outros 
• A Impunível Ascensão Ilegal de Cesário Capão, 
o Falsário Legal (não realizado) Argumento escrito com Maurice Capovila e Victor Knoll 
1970 
• Prata Palomares 
De André Faria -Produtor e assistente de direção: Fernando Peixoto - Elenco: Ítala Nandi, Renato Borghi, Carlos Gregório, Otávio Augusto, Renato Dobal, etc. 
1969 
• Gamal, Delírio do Sexo 
De João Batista de Andrade -Elenco: Joanna Fomm, Paulo César Peréio, Flávio São Tiago, Lourival Parisi, Fernando Peixoto, etc. 
• O Profeta da Fome 
De Maurice Capovila -Roteiro: Fernando Peixoto com Maurice Capovila, baseado em A Urna, de Walter George Durst (Prêmio de argumento, roteiro e diálogos da Air France e do VI Festival de Brasília do Cinema Brasileiro) 
1967 
• Bebel, Garota Propaganda 
De Maurice Capovila – Elenco: Paulo José, Rossana Ghessa, Maurício do Valle, Geraldo del Rey, John Herbert, Fernando Peixoto, etc. 
1963 
• Meninos do Tietê 
De Maurice Capovila – Assistente de direção: Fernando Peixoto 
1962 
• Coqueshi 
Experiência em 8 mm (RS) – Direção, roteiro e ator -Elenco: Ítala Nandi, Flávio Loureiro Chaves 
Espetáculos Especiais (diretor) 
1998 
• 100 Anos Brecht – 100 anos Eisler 
Recital com a soprano Andréa Kaiser e o pianista Rubens Ricciardi – Direção cênica: Fernando Peixoto -Programa com músicas de Brecht-Eisler, Brecht-Brecht, Eisler-Eisler, Eisler-Tucholski, Brecht-Weill, Eiler-Pablo Neruda-Brecht, Eisler-Julian Arendt, etc. – Apresentações em Ribeirão Preto, Santos, Porto Alegre, São Paulo (Instituto Goethe) 
1988 
• Falar de Mim 
Show com Ana de Hollanda no Centro Cultural São Paulo -Direção Musical e teclados: Daniel Szafrán – Contrabaixo: Jorge Aquino – Bateria: Walmir Rodrigues – Percussão: Jamil Scatena – Roteiro: Ana de Hollanda 
1987 
• Festa da Glasnost 
Espetáculo com artistas soviéticos na festa promovida pelo Partido Comunista Brasileiro, no Parque da Água Branca (SP) em comemoração ao 70º aniversário da Revolução Soviética. Apresentação do espetáculo com os artistas: Nádia Semiónov e Anatoli Semiónov (dança), Arthur Eizen (canto lírico, baixo, solista do Bolshoi), Natalia Liútova e Natália Mitiúshova (exercícios acrobáticos, 13 e 14 anos) Galina Bulgákova (cantora popular), Vladimir Iakovlev (instrumentista) 
1984 
• Alceu Vive – Um Ano Longe Daqui 
Homenagem a Tristão de Athayde (Alceu Amoroso Lima) no primeiro aniversário de sua morte, realizada pelo Instituto Brasileiro de Estudos e Apoio Comunitário Queiroz Filho (Ibeac) e pelo Centro Alceu Amoroso Lima pela Liberdade. Participação de Helena Iracy Junqueira (presidente do Ibeac), dr. Alceu Amoroso Lima Filho, prof. Candido Mendes, vereadora Gilda Pompéia, escritora Lígia Fagundes Telles, Dom Luciano Mendes de Almeida, senador Marcos Freire, secretário estadual de Cultura Jorge Cunha Lima, prefeito Mário Covas, governador Franco Montoro e atores Regina Duarte e Raul Cortez, Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo sob a regência do maestro Eleazar de Carvalho. Apresentação do vídeo com texto da Madre Maria Tereza (realizado com table-top por Márcia Saad, da RTC) e do vídeo Alceu Amoroso Lima, realizado por Mônica Montoro, no Palácio dos Bandeirantes 
• Relações Insuspeitas Entre Eisler-Brecht e 
o Brasil 
Conferência ilustrada com música, concebida e realizada por Willy Correa de Oliveira no Centro Cultural São Paulo - Cena e luz: Fernando Peixoto -Semana Brecht, patrocinada pela Associação Cultural Bertolt Brecht 
1983 
• Drama per Música: as 5 Verdades 
Evento musical de Willy Correa de Oliveira no Instituto Goethe (SP) -Encenação: Fernando Peixoto - Direção musical: trabalho coletivo dos músicos participantes 
• Tirem as Mãos da Nicarágua (Canção para a Paz) Show musical e ato político de solidariedade à Revolução Sandinista da Nicarágua -Anhembi (SP) -Direção e roteiro: Fernando Peixoto -Apresentadores: Gianfrancesco Guarnieri, Bete Mendes e Christiane Torloni -Participação de Chico Buarque, Fagner, Toquinho, Olívia Byington, Fafá de Belém, Agnaldo Timóteo, Teatro União e Olho Vivo, Alberto Goldmann, Lula, Fernando Moraes, Álvaro Fraga, João Batista, representantes da Pró-Cut, da União Brasileira de Estudantes Secundários e UNE, de entidades de solidariedade aos povos da América Latina e Caribe, Dalmo Dallari, representantes da Organização pela Libertação da Palestina etc. 
• Canta Brasil 

Espetáculo em homenagem ao 1º de Maio, produzido pelo Cebrade (Centro Brasil Democrático). Anhembi (SP) 
Direção: Fernando Peixoto e Oswaldo Loureiro Participação: Chico Buarque, Simone, Gilberto Gil, Erasmo Carlos, Baby Consuelo, Pepeu Gomes, Elba Ramalho, Toquinho, Sérgio Ricardo, Fafá de Belém, João Bosco, Carlos Vergueiro, Francis Hime, Frenéticas, Kleiton e Kledir, Demônios da Garoa, Nara Leão, João Nogueira, Paulinho Boca de Cantor e Gianfrancesco Guarnieri 
• Um Ato Teatral 
Espetáculo representando o teatro paulista na Feira de Cultura Brasileira da Secretaria de Cultura do Estado de S. Paulo. - Temas: Contestação da política cultural do governo de 1968 até 1983 -Coordenação cênica: Fernando Peixoto 
-Dramaturgia: José Rubens Siqueira e José Rubens Chassereaux -Encenação: Celso Frateschi e Francisco Medeiros -Coordenação visual e espaço cênico: Alzira Andrade -Coordenação artística: Denise del Vecchio, Edélcio Mostaço e Paulo Betti -Coordenação administrativa: Jair Antonio Alves e Orlando Parolini Realização da Cooperativa de Teatro -Elenco: Adilson Barros, Aiman Hammoud, André Ceccato, Armando Azzarri, Beatriz Berg, Bri Fioca, Cristina Bosco, Dulce Muniz, Eliane Giardini, Gilberto Caetano, Hélio Cíceto, Hugo Dela Santa, João Batista Acayabe, João Signorelli, Lília Cabral, Lílian Sarkis, Luis Guilherme, Renato Consorte 
1982 
• Show Fafá de Belém 
Clube Pinheiros (SP) Especial de apoio e homenagem a Franco Montoro, candidato do PMDB ao governo de São Paulo – Direção: Fernando Peixoto 
1981 
• Show 1º de Maio 
Produzido no Riocentro pelo Centro Brasil Democrático (Cebrade) -Direção: Fernando Peixoto 
-Roteiro: Chico Buarque e Fernando Peixoto -Auxiliares de direção: Vinicius, Caldeira, Vladimir, Victor e Beth - Participação: Elba Ramalho, Clara Nunes, Angela Ro-Ro, Zizi Possi, Cauby Peixoto, Céu da Boca, Joanna, Miucha, Bebel, Paulinho da Viola, João do Vale, João Nogueira, Moraes Moreira, Serginho Godinho (de Portugal), Roupa Nova, Renato Terra, Beth Carvalho, João Bosco, Ivonne Lara, Gal Costa, Simone, Ivan Lins, Fagner, Djavan, MPB4, Gonzaguinha, Luiz Gonzaga (homenagem especial) 
1980 
• Encontro com o Poeta e Escritor Alemão Christoph Meckel 
Instituto Goethe (SP) -Leitura de textos e poemas em português (Fernando Peixoto), no original alemão (Christoph Meckel) 
1979 
• Banho de Cheiro 
Show com Fafá de Belém – Teatro Leopoldina, em Porto Alegre 
1977 
• Gente 
Show musical para o jornal Movimento – Produção musical: Maurício Tapajós – Coordenação e direção cênica: Fernando Peixoto e Maurício Tapajós – Participação de Chico Buarque, Elis Regina, Macalé, Sérgio Ricardo, Fafá de Belém, Marcus Vinicius, Ivan Lins, César Camargo Mariano, Luiz Gonzaga Jr., João Bosco, etc. 
• Show Musical para a Sociedade Brasileira de 
Proteção à Ciência (SBPC) – Ginásio Portuguesa de Desportos – Participação: Chico Buarque, Milton Nascimento, Francis Hime, Macalé, Marília Medalha. MPB 4, Quarteto em Cy, Miucha, Grupo Trancón, Renato Borghi, Ester Góes, Bibi Ferreira, Marieta Severo, Olívia Hime, Dércio Marques, Ruth Escobar, Alaíde Costa Direção: Fernando Peixoto 
• Homenagem 60 Anos de Procópio Ferreira 
Teatro Municipal de S. Paulo – Direção: Fernando Peixoto -Roteiro: Mário Chamie – Participação: Procópio Ferreira, Bibi Ferreira, Paulo Autran, Gianfrancesco Guarnieri, Ítala Nandi, Ana Maria Braga, Escola de Samba Mocidade Alegre – Produção: Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo 
• Homenagem à Memória de Paulo Pontes 
Teatro Carlos Gomes (RJ) – Direção: Flávio Ran-gel - Direção de cena: Fernando Peixoto e Bibi Ferreira – Participação: Ítala Nandi, Bete Mendes, Francisco Milani, Antonio Petrin, Milton Nascimento, Chico Buarque, Eliseth Cardoso, Ziembinsky, Ítalo Rossi, Jorge Dória, Bibi Ferreira, Paulo Autran, Grande Otelo, João do Vale, Zé Kéti e outros 
1975 
• Homenagem à Memória de Érico Veríssimo 
Teatro Casa Grande (RJ) – Direção e participação: Fernando Peixoto – Leitura de trechos de romances e entrevistas – Exibição de filme sobre Érico, dirigido por Fernando Sabino e Davi Neves. – Participação de Fernando Montenegro e Fernando Torres 
Teatro (diretor) e Ópera (encenador) 
2001 
• Vidas Calientes 
De Luque Daltrozo/ Daltrozo Produções - Direção: Fernando Peixoto -Assistente de direção: Regina Goulart - Cenário: Marcello Jordan - Luz: Cizo de Souza; trilha sonora: Tunica Teixeira -Elenco: Imara Reis (Amália), Daniel Gaggini (Felipe), Renato Scarpin (Augusto), Patrícia Vilela (Sibile), Plínio Gouveia (Gabriel), Francisco Taunay (Garoto de Programa), Jamil Kubruk (Garçom e Entregador de Pizza), Felipe Scapino (Garoto de Programa), Marcello Jordan (Garoto de Programa) - Teatro Augusta/SP 
2000 
• Pârvati (a sacerdotisa do amanhecer a caminho 
da consciência cósmica) 
De Cristina Lüthold - Direção: Fernando Peixoto -Elenco: Cristina Lüthold; vozes em off: Antonio Galleão, Flávia Falcon e Cristina Lüthold Produção, figurinos e trilha sonora: Cristina Lüthold -Luz: Beato Tem Prenafeta -Sala Paulo Emílio Salles Gomes/ Centro Cultural São Paulo/SP 
1997 
• Maria Quitéria 
De Marici Salomão - Direção: Fernando Peixoto; Assistente de direção: Ângelo Brandini -Cenário 


e figurinos: Carlos Colabone -Música: Túnica; Luz: Simone Donatelli -Produção geral: Graça Berman -Produção executiva: Suia Legaspe -Elenco: Airton Reno (Congo), Alberto Amorim 
(D. Pedro, Furriel), Débora Dubois (Teresa), Graça Berman (Louca, Maria Graham), Igor Kowalewski (Conselheiro, Emissário, Comandante), Klaus Novais (Pai Gonzalo, Soldado), Luana Costa (Alexandria), Suia Legaspe (Maria Quitéria) - Teatro Itália, São Paulo/SP 
1996 
• Café 
Texto de Mário de Andrade – Música: Hans-Joachin Koellreutter/ Ópera – Direção: Fernando Peixoto/Assistente de direção: Reinaldo Maia 
-Direção musical e regência: Luis Gustavo Petri 
– Cenário: Gianni Ratto – Figurinos: Maria do Carmo Brandini – Cenotécnico: Mário Márcio 
-Coordenação de palco: Denise Alcântara/ assistente de produção: Andréa Lopes Preparação de corais: Roberto Martins, Geraldo Magela Marques e Fernanda Marques Coros: Coro Municipal de Santos, Coro Municipal de Cubatão, Faz de Canto e Coro Universitas – Elenco: Margarita Schack (mãe), Serafim Gonzáles (narrador), José Gallisa, Lamir Vaz de Lima, Miguel Hernandes, coralistas e figurantes - Produção da Secretaria Municipal de Cultura de 

Santos (secretário Marco Antonio Rodrigues), da Prefeitura de Santos (prefeito: David Capistrano Filho) – Estréia mundial: Teatro Municipal Brás Cubas/Santos/SP 
1993 
• A Farsa da Esposa Perfeita 
De Edy Lima Direção: Fernando Peixoto / assistente de direção: Ângelo Osório Cenografia: José Dias Figurinos: Paulo Molière / cenografia: José Dias / Cenotécnico: Careca Operação de luz e som: Cláudio Brandão/ iluminação: Fernando Peixoto e Ugo Peake Produção executiva: Stela Maia e Flávio Guarnieri / Administração: Stella Maia Direção de cena: Álvaro Barcelos Elenco: Melissa Vettore (Olália), Sofia Papo (Sai Nóca), Jandir Ferrari (Sirvano), Flávio Guarnieri (Zeca), Ariel Mosche (seu Jesuino) Produtores: Paulo Guarnieri, João Elias Jr. e Rogério Resende Teatro Brasileiro de Comédia - TBC/SP 
1990 
• Ardente Paciência 
De Anselmo Skármeta Tradução: Beatriz Sidou 
Encenação Fernando Peixoto /Assistente de direção: Mário Masetti Trilha sonora: Marcos Vinicius Elenco: Gianfrancesco Guarnieri, Helena Aranha, Cacau Guarnieri e Ecila Pedroso 
• El Cuchillo por el Filo (Murro em Ponta de Faca, em sueco: Resa Utan Slut De Augusto Boal Espetáculo realizado em espanhol em Estocolmo, Suécia Produção do Teatro Popular Latino-Americano Encenação: Fernando Peixoto / Assistente de direção: Lasse Wallin Tradução: Cecília Thumin Cenário, vestuário e iluminação: Tommy Glans Técnico de luz: Miguel Cabreras / técnico de som: Lasse Wallin Realização da banda sonora: Sven Olof Bergkvist / canções de Roberto Gonzáles e Chico Buarque/ Produtora: Gunilla Wirstrom / Produtora assistente: Susanna Malmstein Fotos: Patrícia Leeson / programa: Mário Romero Elenco: Adelaida Arias, Ana Elisa Guinez, Maria Eugenia Cavieres, Bernardo Lloréns, Roberto González Riksteatern (Teatro 4) em Hallunda, Estocolmo, Suécia 

1986 
• Lo Schiavo 
Ópera em quatro atos de Antonio Carlos Gomes (nas comemorações do sesquicentenário de nascimento de Carlos Gomes, ano Carlos Gomes decretado pelo presidente da República) Libreto: Rodolfo Paravicini (baseado em Alfredo Taunay) Versão original em italiano Direção: Fernando Peixoto / assistente de direção: Francisco Mayrinck Direção musical e regência: maestro David Machado / maestro assistente: Felix Downs Maestros de coro: Ângela Regina Pinto Coelho/ auxiliares: Edésio Lara Mallo, Isolda Garcia Paiva / coreografia: Dulce Beltrão / cenografia e figurinos: Raul Belém Machado Coordenação de palco: Luiz Aguiar / direção geral: Raul Belém Machado Orquestra Sinfônica de Minas Gerais, Coral Lírico-Sinfônico da Fundação Clóvis Salgado Bailarinos convidados e elenco: Juan Carlos Gebelin, Leila Guimarães, Benito Maresca, Luiz Orefice, Adélia Issa, Amarílis Robuá, Andréa Ramus, Marcos Thadeu de Miranda Gomes, Eduardo Janhi-Abumrad, Alcione Soares, José Carlos Leal, Eduardo Cunha, Clóvis Carrero, Afrânio Bastos Palácio das Artes, Belo Horizonte/ Teatro Nacional, Brasília / Sala Villa Lobos, com a Orquestra Sinfônica da Fundação Cultural do Distrito Federal 


• Madame Butterfly 
De Giacomo Puccini Ópera em dois atos Encenação: Fernando Peixoto Cenários e figurinos: Tomie Ohtake Direção musical: David Machado Regentes: David Machado e Eugene Kohn Assistente de direção: Catherine Hazlehurst Maestro de coro: Manuel Cellario / maestros preparadores: Larry Fountain, Sérgio Kulman, Gerson Martinelli Assessor de produção: Studart Dória Diretor de ópera do Teatro Municipal do Rio de Janeiro: Fernando Bicudo Diretora de TM do Rio: Datal Achcar /Orquestra Sinfônica do teatro Municipal do RJ Diretora Técnica: Aniela Jordan Elenco: Wang Yan-Yan, Raimundo Mettre, Fernando Teixeira, Alteouise De Vaughn, Francisco Nery, Pedro Stomper, Amarú Soren, Cristina Passos, Athaíde Beck Segundo elenco: Mário Vernette Moore, Michael Austin, Nelson Portella, Glória Queiroz, Marcos Menescal, Waldir Tambasco, Renato Ronê, Yara Abreu, Jonas Travassos Teatro Municipal do Rio de Janeiro 
1984 
• Navio Fantasma (Der Fliegende Holländer) Ópera de Richard Wagner 



Encenação: Fernando Peixoto Regentes: Isaac Karabtchevsky e Harry Lyth Cenografia e figurinos: Hélio Eichbauer Assistente de direção: Emmerson Eckmann, Carmen Schutz e Lívia Freiras Santos Maestros preparadores: Guida Borghoff, Luiz Malheiro e João Paulo Serinolli Direção Técnica: Francisco Giaccheri / maestro de coro: Oswaldo Colarusso Participação da Orquestra Sinfônica Municipal, Coral Lírico Municipal e Coral Paulistano Elenco: Heikki Toivanen (Daland), Hanna Lisowska (Senta), Claudinir Aére (Erik) Graciela Araya (Mary), Airton Nobre (Piloto) e Carmo Barbosa (o holandês) Teatro Municipal de S. Paulo 
• Oito Canções para um Rei Louco (Eight Songs for a Mad King) 
De Peter Maxwell Davies / Texto de Randolph Stow e Georges III Encenação: Fernando Peixoto Solista: Paulo Fortes Produção da Orquestra Sinfônica Brasileira no Teatro Municipal do Rio de Janeiro e Com a Orquestra Municipal de São Paulo no Teatro Municipal de S. Paulo Regente: maestro Isaac Karabtchevsky 


1983 
• Werther 
Ópera de Jules Massenet / Libreto de Édouard Blau, Paul Milliet e Georges Hartmann Encenador: Fernando Peixoto Encenadores adjuntos: Emmerson Eckmann e Carmem Schultz Maestros preparadores: Guida Borghoff, Luiz Melheiro, Emmerson Eckmann, João Paulo Serinolli e José Perrota Direção Técnica: Francisco Giacchieri Cenografia e figurinos: Carlos Jacchieri / chefe cenotécnico: Florivaldo Jóia / chefe eletricista: Aristides Tangerino/ chefe costureira: Mathilde Godoy Adas Contra-regras: Brubi Turolla e Salvador Ventura Elenco: Eduardo Álvares (Werther), Graciela Araya Altamirano (Charlotte), Andréa Ramús (Albert), Annie Lacour (Sophie), Wilson Carrara (Bailli), Odnili Romanini (Johann), Joaquim Rollenberg (Schmidt), France Benanome (Werther), OdetteViolani Hansson (Charlotte), Luiz Oférice (Albert), Efigenia Cortes (Sophie), Eduardo Janho (Lê Bailli), Paulo Martins (Johann), Claudinir Aére (Schmidt), Antonio Intelandi (Bruhlman), Carmen Schultz (Katchen) Maestro de coro: Oswaldo Colarusso / regente e diretor musical: Túllio Colacioppo Orquestra Sinfônica Municipal / Teatro Municipal de São Paulo 
1982 
• Em Busca da Coruja Perdida 
De Ilíada Demétri e Inês de Castro (peça infantil) Músicas e letras: Eneida Soller / cenografia, figurinos, bonecos e adereços: Otávio Donasci Assistente de Cenografia: Marcos Werneck / coreografia: Sílen Clair Produção Orbe Arte Produções e Grupo Os Corujinhas 
Elenco: Abigail Wimer, Alcione Alves, Euripedes de Castro Jr., Ilíada Démetri, Sílen Clair Teatro Anchieta /SP 
• Wozzeck 
Ópera de Alban Berg / baseada em Woyzeck de Georg Buchner Direção musical: Isaac Karabtchevsky Cenografia e figurinos: Gianni Ratto Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo, Coral Lírico do Municipal Regência: Osvaldo Colarusso Diretores adjuntos: Wagner de Paula, Carmen Schultz, Emmerson Eckmann Maestro preparador e regente interno: Henry Spence Lyth Direção técnica: Francisco Giaccheri Estréia nacional: 5 de dezembro de 1982 Elenco A: Adalbert Wahler (Wozzeck), David 


Palmer (Capitão), Hector Pace (Andrés), Gerlinde Lorenz (Marie), Wilfried Badorek (Tambor Mor), Hans Nowack (Doutor), Margarita (Margaret), Luiz Orefice (1 Aprendiz), Gerson Herskowicz (2 Aprendiz), Claudinir Aére (Idiota), Luis Malheiro (Soldado), Joana C. de Barros (Criança) Elenco B: Carmo Barbosa (Wozzeck), Hector Pace (capitão), José Antonio Marson (Andrés), Graciela Araya Altamirano (Marie), Ayrton Nobre (Tambor Mor), Boris Farina (Doutor), Vânia Soares (Margaret), Andréa Ramus (1 Aprendiz), Francisco Frias (2 Aprendiz), Claudinir Aére (Idiota), Luis Malheiro (Soldado), Suzanna Campos (Criança) Teatro Municipal de S. Paulo, dias 5-7-9 e 8-10-12 de dezembro de 1982 
1981 
• Você Conhece Eisler? Ou Se os Tubarões fossem Homens De Willy Correa de Oliveira Textos de Bertolt Brecht e Hanns Eisler – poemas de Brecht, Mallarmé, Rilke Músicas de Schoenberg, Webern, Chopin, Bach, Kurt Weill, Hanns Eisler Participação: Caio Pagano (pianista), Martha Herr (cantora), John Boudler (percussionista), Willy Correa de Oliveira (músico), José Fernandes (ator) Slides: Paulo Ramos Machado Encenação: Fernando Peixoto Museu de Arte de São Paulo (com patrocínio do Instituto Goethe) – 29 de maio 
1980 
• Calabar 
De Chico Buarque e Ruy Guerra Cenografia de Hélio Eichbauer Direção Musical: de Marcus Vinicius Corpografia: Zdeneck Hampl Assistente de Direção: Wagner de Paula Iluminação: Mário Masetti Produção Othon Bastos, Marta Overbeck e Renato Borghi Elenco: Tânia Alves, Othon Bastos, Renato Borghi, Sérgio Mamberti, Gésio Amadeu, Miguel Ramos, Elias Andreato, Osmar di Pieri, Ariel Moshe, Dada Cyryno, Edsel Brito, Luiz Braga, Ina Rodrigues, Mônica Brant, Zdeneck Hampl, Luiz Carlos Gomes, Mercedes de Sousa, Samuel Santiago e Wilson Rabelo Teatro São Pedro (SP) – estréia 5 de maio de 1980 (excursões: Teatro Guaíra, Paraná 27 e 28/9/80; Teatro Álvaro de Carvalho – Santa Catarina, Florianópolis, 2 a 5 de outubro de 1980) 
• Crença 
Show musical com Fafá de Belém Cenário de Billy Acioly Direção musical: Cristóvão Bastos 

Roteiro: Fernando Peixoto, Fafá de Belém e Roberto Santana Produção: Roberto Santana Músicos: Cristóvão Bastos, Raul Mascarenhas, Chiquito Braga, Rubinho, Augusto Arid, Ricardo do Canto Iluminação: Eldo Lúcio Teatro da Galeria, Rio de Janeiro, estréia 22 de outubro de 1980 
1979 
• Werther 
Ópera de Jules Massenet Libreto de Edouard Blau, Paul Millet, Georges Hartmann Direção Musical: Jean-Pierre Jacquillat Régisseur: Fernando Peixoto Cenário e figurinos: Carlos Jacchieri Régisseur assistente: Emmerson Eckmann Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo Empresário: Heinz Frischler Temporada Lírica Oficial de 1979 Com: Alicia Nafé, Benito Maresca, Fernando Teixeira, Beatriz Pazos, Amin Feres, Boris Farina, De Faro Rollemberg, Annie Lacour, Luiz Malheiro Teatro Municipal de São Paulo – dias 6, 9 e 11 de setembro de 1979 
• Terror e Miséria do III Reich 
De Bertolt Brecht Centro de Estudos Macunaíma (SP) Tradução: Gilda Oswaldo Cruz Direção e cenografia dos episódios: A Traição, A Cruz de Giz, Trabalho Voluntário, A Mulher Judia, O Caixão, Os Contratadores de Trabalho, O Plebiscito (outros quatro episódios dirigidos pelos próprios atores) Elenco: Cristina Alcântara, Francisco Luiz Cunha Marques, Fernando Tadeu Knudsen, José Maria Carvalho Estréia: 20 de dezembro, no Centro de Estudos Macunaíma (SP) 
1977 
• Mortos sem Sepultura 
De Jean-Paul Sartre Produção: Difusão, S. Paulo Tradução e Adaptação: Fernando Peixoto Cenografia: Hélio Eichbauer Diretor Assistente: Wagner de Paula Elenco: Othon Bastos, Ariclê Peres, Antonio Petrin, José Fernandes, Wolf Maya, Whalmyr de Barros, Oswaldo Campozana, Paulo Guarnieri e Walter Breda 
S. Paulo, Teatro Maria Della Costa estréia 14 de setembro. 
• Coiteiros 
De Altimar Pimentel, Elpidio Navarro e Pedro Santos Adaptado do romance de José Américo de Almeida. 
Cenário: Flávio Tavares Música: Pedro Santos Elenco: Eleonora Montenegro, Zezita Mattos, Lucy Camelo, Mirócene Amorim, Ednaldo do Egipto, Osvaldo Travassos, Fernando Teixeira Afrânio Ramalho Produção: Grupo Oficial do Teatro Santa Roza, João Pessoa, Paraíba, estréia 3 de novembro Em S. P., 22 a 26 de Fevereiro de 1978, Teatro Pixinguinha 
1976 
• Tamba Tajá 
Show musical com Fafá de Belém Produção: Roberto Santana Direção musical: Chiquito Braga Rio de Janeiro, estréia 11 de maio no Teatro Casa Grande, RJ 
• Arena Conta Zumbi 
De Gianfrancesco Guarnieri, Augusto Boal e Edu Lobo Produção: Teco e Maria Pompeu Música: Edu Lobo Direção musical: Dory Caymmi Elenco: Maria Rita, Eleonora Rocha, Deoclides Gouveia, Wolf Maia, Aracy Cortes, Maria Pompeu, Jorje Paulo, Octávio César Rio de Janeiro, estréia 6 de julho no Teatro Tereza Rachel, RJ 

Minas Gerais, Teatro do DCE, 17 de setembro Goiás, Teatro Inacabado, 22 de setembro Espírito Santo, Teatro Carlos Gomes – 8 de outubro 
• Ponto de Partida 
De Gianfrancesco Guarnieri Produção Artística: Othon Bastos Produções Artísticas Música e Direção Musical: Sérgio Ricardo Assistente de Direção: Wagner de Paula Cenário e Figurinos: Gianni Ratto Elenco: Gianfrancesco Guarnieri, Sérgio Ricardo, Othon Bastos, Martha Overbeck e Sonia Loureiro Depois: Antonio Petrin e Ana Maria Braga Conjunto musical Maria Deá Direção Musical: Murilo Alvarenga São Paulo, Teatro Taib, estréia 23 de setembro 
1974 
• A Torre em Concurso 
De Joaquim Manoel de Macedo Grupo de Teatro Botequim Ltda Produção: Orlando Miranda e Carlos Miranda Música de Sidney Miller Cenografia de Hélio Eichbauer Figurinos: Rosa Magalhães Corpografia: Zdneck Hampl Elenco: Antonio Ganzarolli, Roberto Azevedo, André Valli, Perfeito Fortuna, Isolda Cresta, Betty Erthal, Regina Linhares, Octávio César, José 



Roberto Mendes, Darwin Convê, Sonia Paula, Antonio Pompeu, Rute Mezeck, etc Rio de Janeiro, 23 de maio, Teatro Glaucio Gil 
• Caminho de Volta 
De Consuelo de Castro Produção Artística: Othon Bastos Produções Artísticas, São Paulo Cenário e Figurinos: Gianni Ratto Assistente de Direção: Edson Santanna Elenco: Othon Bastos, Martha Overbeck, Armando Bogus, Antonio Fagundes, Oswaldo Campozana Depois: Rachel Araújo, Renato Borghi e Guilherme Correa São Paulo, Teatro Aliança Francesa, 17 de outubro 
1973 
• Frank V 
De Friedrich Dürrenmatt Teatro São Pedro Cenário e Figurinos: Gianni Ratto Música: Paul Burchard Direção Musical: Paulo Herculano Elenco: Renato Borghi, Esther Goés, Beatriz Se-gall, Sérgio Mamberti, Carlos Augusto Strazzer, Selma Egrei, Renato Dobal, José Fernandes, Jonas Bloch, Umberto Magnani, Whalmyr Barros, Vicente Tuttoilmondo São Paulo, Teatro São Pedro 


• Um Grito Parado no Ar 
De Gianfrancesco Guarnieri Produção Artística: Othon Bastos Produções Artísticas Cenário e Figurinos: Joel de Carvalho Música de Toquinho Assistente de Direção e Trilha Sonora: Mario Masetti Elenco: Othon Bastos, Martha Overbeck, Enio Carvalho, Sonia Loureiro, Assunta Peres e Oswaldo Campozana Depois: Miriam Mehler, Renato Borghi, Lourival Parisi, Liana Duval, Walmyr Barros, Ivonne Hoffman São Paulo, Teatro Aliança Francesa Estréia em Curitiba, Teatro Guaíra 
• Calabar – O Elogio da Traição 
De Chico Buarque e Rui Guerra Fernando Torres Diversões, Rio de Janeiro Cenografia de Hélio Eichbauer Orquestração de Edu Lobo Direção Musical: Dory Caymmi Coreografia e Preparação corporal: Zdneck Rampl Assistente de direção: Mário Masetti Figurinos: Rosa Magalhães e Hélio Eichbauer Elenco: Betty Faria, Tetê Medina, Antonio Ganzarolli, Luthero Luiz, Hélio Ary, Flávio São Tiago, Deoclides Gouvea, Perfeito Fortuna, Odilon Wagner, etc. 
Rio de Janeiro, espetáculo proibido pela censura poucos dias antes da estréia 
1972 
• Tambores na Noite 
De Bertolt Brecht Grupo Núcleo-Teatro São Pedro Cenário e Figurinos: Marcos Weinstook Música de Toquinho, Letra de Gianfrancesco Guarnieri (baseada em poema de Brecht) Elenco: Edson Santana, Antonio Pedro, Margot Baird, Dulce Muniz, Denise del Vecchi, Celso Frateschi, Paulo Ferreira, Renato Dobal, Abrão Farc, Cecilia Rabelo, etc. São Paulo, Teatro Studio São Pedro 
• A Semana 
De Carlos de Queiroz Telles Produção Teatro São Pedro Cenário e figurinos: Hélio Eichbauer Música de Toquinho Assistente de Direção: Mário Masetti Direção de filmes e seleção do material cinematográfico: Jean-Claude Bernardet. Slides: Ana Carolina Teixeira Soares Elenco: Antonio Pedro, Walter Santos, Denise del Vecchi, Renato Dobal, Paulo Ferreira, Dulce Muniz, Celso Frateschi, Cecilia Rabelo, Margot Baird, etc. São Paulo, Teatro Studio São Pedro 
• O Processo de Joana d’Arc 
De Bertolt Brecht Escola de Arte Dramática da Universidade de São Paulo Exame público dos alunos do segundo ano Tradução: Alberto Guziki Adaptação e cenário: Fernando Peixoto Assistente de direção: Zé Carlos Andrade EAD, Universidade de São Paulo 
• Frei Caneca 
De Carlos de Queiroz Telles Teatro São Pedro Cenário e figurinos: Hélio Eichbauer Música: Carlos Castilho Assistente de direção: Mário Masetti Elenco: Othon Bastos, José Fernandes, Renato Dobal, Chibé, Wanderley de Oliveira, Celso Frateschi, Edson Santanna, Denise del Vecchi, Gimba, Antonio Maschio, etc. São Paulo, Teatro São Pedro Estréia 12 de setembro de 1972 
1970 
• Dom Juan 
De Molière Teatro Oficina de São Paulo Tradução: Fernando Peixoto e José Celso M. Correa Adaptação: Fernando Peixoto e Gianfrancesco Guarnieri Cenário e Figurinos: Flávio Império Música (composição e execução): Brazões Elenco: Gianfrancesco Guarnieri, Martha Over-beck, Luthero Luiz, Claudio Mac-Dowell, Jofre Soares, Paulo Goya, etc. Segunda Versão: Raul Cortez, Flávio São Tiago, Renato Dobal, Esther Goés, Paulo Goya, Claudio Mac-Dowell, etc. 
1960 
• Show Oficina 
Show musical com participação de Caetano Veloso, Gilberto Gil, Nara Leão, Chico Buarque de Holanda, Maria Bethania, Os Mutantes, Terra Trio, Jorge Ben, etc. Rio de Janeiro 
• Poder Negro (The Dutchman) De Leroy Jones Teatro Oficina de São Paulo Tradução: Francisco Martins Cenário: Marcos Flaksman Elenco: Ítala Nandi e Antonio Pitanga 
1965 
• O Canto Livre de Nara (Show Musical com Nara Leão) Porto Alegre 

1961 
• Pedro Mico 
De Antonio Calado Teatro Equipe do Rio Grande do Sul Música: Glenio Peres Elenco: Ivete Brandalise, etc. Porto Alegre. Teatro de Equipe 
1959 
• Matar 
De Paulo Hecker Filho Curso de Arte Dramática da URGS Cenário e Direção Elenco: Ivette Brandalise, Luthero Luiz, Enio Gonçalves, etc. Porto Alegre, Teatro da Universidade do Rio Grande do Sul 
Teatro (Como Ator) 
2003 
• A Filosofia na Alcova (participação em voz off) A partir da obra de Marques de Sade Texto e direção: Rodolfo García Vázquez Elenco: Ivam Cabral, Valquíria Vieira, Soraya Aguillera, Phedra D’Cordoba, Patricia Aguille, etc. Os Satyros, São Paulo (estréia 11 de abril – antes foi apresentado em Curitiba) 

2001 
• Vassah: a Dama de Ferro (Vassa Geleznova) De Máximo Górki Tradução: Fernando Peixoto e Eugenio Kusnet Direção: Alexandre de Mello Cenário: Hélio Eichbauer Figurinos: Diana Eichbauer Luz: Aurélio de Simoni Direção de Produção: Gerardo Franco Produção Executiva: Giuliano Nandi Assistente de direção: Giuliano Nandi Realização: Ittala Nandi Produções Elenco: Itala Nandi, Fernando Peixoto (Klementi Krotkikh), Renato Borghi, José Celso, Martinez Correa (em cena de vídeo, com fotografia de Dib Luft), Amaury Alvares, Renata Sofredini, Wanda Stefania, LuizaAlbuquerque,SimoneDonha,IgorKovalewski, Carolina Lyrio, Giuliano Nandi, Emilio Gama Estréia em São Paulo no Teatro Sérgio Cardoso em 3 de agosto de 2001 (O espetáculo estreou no Rio de Janeiro em abril de 2000) 
1994 
• O Inspetor Geral 
De Nicolai Gógol Direção: Antonio Abujamra Adaptação Livre do Texto: Antonio Abujamra Cenografia: Túlio Costa Figurinos: Ninette Van Vuchelen Iluminação: Maneco Quinderé 





Assistentes de Direção: Jayme Compri, Johanna Albuquerque, Eduardo Bonito, Silvio Girardi (estagiário) Produção Executiva: Beto Simões Produção do Teatro Popular do Sesi de São Paulo Elenco: Francarlos Reis, Antonio Abujamra, Fernando Peixoto (Diretor do Hospital), Walter Breda, Clarice Abujamra, Abrahão Farc, Francisco Martins, Renato Dobal, Cid Pimentel, Fernanda Abujamra, Paula Sandroni, Ada Chaseliov, Leila Garcia, Renato Caldas, Tácito Rocra, Osmar di Pieri, José Carlos Machado, Ednaldo Freire, Daniela Jaime-Smith, Marcelo Almada, Marcelo Decária, Nivaldo Todaro, Agnaldo Gabarrão Estréia (no teatro do Sesi, São Paulo) em 2 de maio de 1994 (em São Paulo até 30 de setembro; em Campinas, SP, Teatro Castro Mendes, dias 6/7/8/9 de outubro de 1994: final com 147 espetáculos, fiz 138 – tendo sido substituído, em alguns, por Ada Chaseliov) 
1989 
• A Cerimônia do Adeus 
De Mauro Rasi Direção: Ulysses Cruz / assistentes de direção: Marcus Vinicius e Silvana Funchal Cenografia: Marco A. Lima e Ulysses Cruz Figurinos: Domingos Fuschini Elenco: Fernando Peixoto (Jean-Paul Sartre), Cleyde Yáconis, Marcos Frota, Ileana Kwasinsky, Sonia Guedes, Angelo Antonio 

Depois: Laura Cardoso, Paulo Chiavegatti, Hugo Peake, etc. São Paulo, estréia 7 de janeiro de 1989, substituindo Antonio Abujamra Espetáculos em São Paulo, Ribeirão Preto, Americana, Piracicaba, Marilia, Santos, Campinas São José do Rio Preto, Santo André, Londrina, Belo Horizonte, Brasília, Curitiba, Florianópolis, Porto Alegre, Lisboa e Rio de Janeiro Faço 122 espetáculos, o último no Rio de Janeiro, Teatro João Caetano, em 24 de setembro de 1989 
1974 
• Um Grito Parado no Ar 
De Gianfrancesco Guarnieri Direção: Fernando Peixoto Em substituição, no papel do Diretor Fernando Elenco: Othon Bastos, Martha Overbeck, Osvaldo Camposana, Liana Duval, etc. Othon Bastos Produções Artísticas, São Paulo (Temporada no Rio de Janeiro) 
1973 
• As Três Irmãs 
De Tchecov Direção: José Celso Martinez Correa Elenco: Fernando Peixoto (Substituindo Renato Borghi), José Celso Martinez Correa, Lourival Parisi, Othon Bastos, Maria Fernanda, etc. Teatro Oficina de São Paulo 
1972 
• Frei Caneca 
De Carlos Queiroz Telles Direção: Fernando Peixoto Em substituição, no papel principal Cenário e Figurinos: Hélio Eichbauer Elenco: José Fernandes, Celso Frateschi, Fernando Peixoto, Antonio Maschio, Renato Dobal, etc. Produção: Teatro São Pedro (São Paulo) 
1970 
• Arena Conta Zumbi 
De Gianfrancesco Guarnieri e Augusto Boal Música: Edu Lobo Direção: Augusto Boal Elenco: Lima Duarte, Isabel Ribeiro, Fernando Peixoto, Zezé Macedo, Cecília Thumin, Hélio Ary, etc. Teatro de Arena de São Paulo (Em São Paulo, em temporadas no Peru, México e Estados Unidos) 
• Arena Conta Bolívar 
De Augusto Boal Direção: Augusto Boal Música: Théo de Barros Elenco: Lima Duarte, Cecília Thumin, Isabel Ribeiro, Fernando Peixoto, Hélio Ary, Zezé Motta, etc. Teatro Arena de São Paulo (no Peru, México e Estados Unidos) 




1969 
• Na Selva das Cidades 
De Bertolt Brecht Direção: José Celso M. Correa Tradução: Fernando Peixoto, Renato Borghi e Elizabeth Kander Cenário: Lina Bo Bardi Música: Carlinhos de Souza Elenco: Renato Borghi, Itala Nandi, Otávio Au-gusto, Othon Bastos, Liana Duval, Fernando Peixoto (Skinny), Margot Baird, Samuel Costa Junior, Carlos Gregório, João Marcos Fuentes, Renato Dobal, Valquiria Mamberti, Flávio São Tiago, Paulo Goya Teatro Oficina de São Paulo, estréia 1º de setembro de 1969 
1968 
• Galileu Galilei 
De Bertolt Brecht Direção: José Celso M. Correa Tradução: Roberto Schwartz Assistentes de direção: Antonio Pedro e Betty Chachamovitz Direção Musical: Júlio Medaglia Música: Hans Eisler Cenário e figurinos: Joel de Carvalho Elenco: Claudio Correa e Castro, Renato Borghi, Fernando Rabello, Fernando Peixoto (Andréa Sarti-moço, Cardeal Belarmino, e um Matemático), Cecilia Rabello, Renato Machado, Itala Nan-di, João Marcos Fuentes, Renato Borghi, Martha 
Overbeck, Otávio Augusto, Antonio Pedro, Andre Valle, Pedro Paulo Rangel, Margot Baird, Valquíria Mamberti, Renato Dobal, Samuel Costa Junior, Johnny Howard, etc. Teatro Oficina de São Paulo, estréia dia 14 de dezembro de 1968 
1967 
• O Rei da Vela 
De Oswald de Andrade Direção: José Celso M. Correa – Assistente de direção: Carlos Alberto Libânio Chisto (Frei Betto) Cenário e Figurinos: Hélio Eichbauer Música: Damiano Cozzela e Rogerio Duprat Coreografia: Maria Estrher Estocker Elenco: Renato Borghi, Fernando Peixoto (Abelardo II), Itala Nandi, Francisco Martins, Liana Duval, Etty Fraser, Edgard Gurgel Aranha, Abrahão Farc, Otávio Augusto, Renato Dobal, etc. Teatro Oficina de São Paulo, estréia 29 de setembro de 1967 
1966 
• Quatro num Quarto 
De Valentin Katáiev Direção: José Celso Martinez Correa Elenco: Fernando Peixoto, Itala Nandi, Dirce Migliaccio, Etty Fraser, Francisco Martins, Odavlas Petti, etc. Teatro Oficina São Paulo 

1964 
• Andorra 
De Max Frisch Direção: José Celso Martinez Correa Cenário e Figurinos: Flávio Império Assistente de Direção: Fernando Peixoto Música: Claudio Petraglia. Elenco: Miriam Mehler, Renato Borghi, Lineu Dias, Fuad Jorge, Oswaldo de Abreu, Fernando Peixoto (Alguém), Eugenio Kusnet, Fauzi Arap, Renato Dobal, Wolfram Gunther, Henriette Morineau, Célia Helena, Marco Antonio, Berilo Faccio, Claudio Oliani. Em substituições: Beatriz Segall, Mauro Mendonça, João José Pompeu, Flávio Migliaccio, Ezequiel Neves, Ednei Giovenazzi, Hélio Eichbauer, Marcus de Toledo, Antonio Bivar, etc. Teatro Oficina de São Paulo, estréia 10 de outubro de 1964 
1963 
• Os Pequenos Burgueses 
De Máximo Górki Fernando Peixoto e José Celso Martinez Correia Direção: José Celso Martinez Correia Assistente de Direção: Fernando Peixoto Cenário e Figurinos: Anísio Medeiros Elenco: Eugenio Kusnet, Célia Helena, Rosamaria Murtinho, Renato Borghi, Mirian Mehler, Líbero 


Ripolli Filho, Ronaldo Daniel, Itala Nandi, Fernando Peixoto (Chichkin), Moema Brum, Cecilia Rabelo Em substituições: Wolney de Assis, Claudio Marzo, Fernando Peixoto (Piotr e Nil), Etty Fraser, Liana Duval, Betty Faria, Esther Goés, Abraão Farc, Vera Gertel, Beatriz Segall, Joselita Alvarenga, Othon Bastos, Francisco Martins, Maulde Christian, Ary Koslov, Martha Overbeck, Otávio Augusto, Flávio São Tiago, Nilda Maria, Luiz Linhares, etc. Teatro Oficina São Paulo 
• Quatro num Quarto 
De Valentin Katáiev Direção: Maurice Vaneau Título Original: A Quadratura do Círculo Tradução: Eugenio Kusnet Cenário: M. Vaneau Figurinos de Marie Claire Vaneau Elenco: Mirian Mehler, Rosamaria Murtinho, Fernando Peixoto (Vassia), Líbero Ripolli Filho, Moema Brum Teatro Oficina de São Paulo 
1962 
• Brasil, Versão Brasileira 
De Oduvaldo Vianna Filho Direção: Armando Costa Elenco: Oduvaldo Vianna Filho, Cecil Thiré, Vera Gertel, etc. 
Participação de Fernando Peixoto Produção: Centro Popular de Cultura da União Nacional de Estudantes Espetáculo em Porto Alegre 
1961 
• O Despacho 
De Mário de Almeida Direção: Mário de Almeida Elenco: Milton Mattos, Itala Nandi, Ivette Brandalise, Paulo César Peréio, Fernando Peixoto, etc. Teatro de Equipe (Porto Alegre) 
1960 
• Leonor de Mendonça 
De Gonçalves Dias Direção: Flávio Rangel Cenários: Cyro Del Nero Figurinos: Clara Heteny e Cyro Del Nero Elenco: Elisabeth Henreid, Nathalia Timberg, Leonardo Villar, Moacyr Marchesi, Jorge Chaia, Fernando Peixoto, Odavlas Petti, Elisio de Albuquerque, etc. Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) em Porto Alegre 
• Panorama Visto da Ponte (A Viel from the Bridge) De Arthur Miller Direção: Alberto D’Aversa 

Tradução: Raimundo Magalhães Jr. Cenário: Mauro Francini Elenco: Fernando Peixoto (Tony), Moacyr Marchesi, Leonardo Villar, Nathalia Timberg, Elisio de Albuquerque, Elisabeth Henreid, Jorge Chaia, Vinicius Salvatori, Sebastião Ribeiro, Armando Ferreira Filho, Ivette Brandalise, Lia Correa, etc. Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) em Porto Alegre 
• Anjo de Pedra (Summer and Smoke) De Tennessee Williams Direção: Benedito Corsi Elenco: Nathalia Timberg, Leonardo Villar, Fernando Peixoto, etc. Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) em Porto Alegre 
• O Demorado Adeus 

De Tennessee Williams Direção: Mário de Almeida Elenco: Ivette Brandalise, Fernando Peixoto, Paulo José Teatro de Equipe (Porto Alegre) 
• Mãe Coragem (Mutter Courage und Ihre Kinder) De Bertolt Brecht Direção: Alberto D’Aversa 
Elenco: Lélia Abramo, Ruth Escobar, Fernando Peixoto, etc. Teatro Ruth Escobar (Porto Alegre) 
1959 
• Electra 
De Sófocles Direção: Ruggero Jacobbi Cenário: Francisco Riopardense de Macedo Figurinos: Maria Leda Martins Músicas originais de Bruno Kieffer Elenco: Armando Ferreira Filho, Wolney de Assis, Fernando Peixoto (Pílades), Dilma Fábregas, Ivette Brandalise, Yara Victória, Elisabeth Hartmann, Mariam Kassov, Claudio Heeman Curso de Arte Dramática da URGS 
• O Corvo 
De Carlo Gozzi Tradução e adaptação livre: Ruggero Jacobbi Cenário e figurinos: Nelson Boeira Faedrich Elenco: Fernando Peixoto (Jennaro), Alberto de Loa Santos, Enio Gonçalves, Mariam Kassov, Dilma Fábregas, Nair Miorim Paiva, Ivette Brandalise, Elisabeth Hartmann, Themis Reverbel da Silveira, Reginaldo Cipolatti, Armando Ferreira Filho, Wolney de Assis, Claudio Heeman, Luthero da Silva, etc. Curso de Arte Dramática da URGS 
• As Casadas Solteiras 
De Martins Penna Direção: Ruggero Jacobbi Curso de Arte Dramática da URGS 
1958 
• Egmont 
De Goethe Direção: Ruggero Jacobbi Elenco: Wolney de Assis, Fernando Peixoto, Luthero Luiz, etc. Curso de Arte Dramática da Universidade do Rio Grande do Sul Ainda no elenco: Elisabeth Hartmann, Dilma Fábregas, Marcos Klein, Ivette Brandalise, Cláudio Heeman, Enio Gonçalves, Fausto Wolffenbuttel, etc. 
1957 
• Os Cegos 
De Michel de Ghelderode Direção: Luis Carlos Maciel Elenco: Fernando Peixoto, Antonio Abujamra, Vinicius Salvatori, Armando Piazza Filho Tradução: Aníbal Machado Músicas de Madeleine Ruffier Produção do Teatro Universitário da UEE Porto Alegre 
• O Provocador 
De Paulo Hecker Filho Cenário: Armando Piazza Filho e Nilton Carlos Scotti Assistente de Direção: Luiz Carlos Maciel Direção: Mário de Almeida Elenco: Antonio Abujamra, Fernando Peixoto (Renato), Sergio Almeida, Vinicius Salvatori, Marcelo Bittencourt, Amélia Bittencourt, Julio Cesar, Fernando Alves, Ruy Almeida, Eneilda Rivoir, Vanda Pitta, Claudio Cavalli, Luiz Carlos Maciel, Vanda Coronel, Nilton Carlos, Yetta Moreira, Lineu Dias, Yolanda de Bem, Gilberto Tubino, Armando Piazza Filho, Vanda Maria Teatro Universitário da UEE, Porto Alegre 
• O Macaco da Vizinha 
De Joaquim Manoel de Macedo Direção: Mário de Almeida Assistente de Direção: Fernando Peixoto Cenário e Figurinos: Armando Piazza Filho e Nilton Carlos Scotti Elenco: Fernando Peixoto, Yetta Moreira, Claudio Heeman, Nilton Carlos Scotti, Amélia Bitten-court, Marcelo Bittencourt Teatro Universitário da UEE, Porto Alegre 
• O Canto da Cotovia (L’Alouette) 
De Jean Anouilh Direção e cenários: Gianni Ratto 

Elenco: Maria Della Costa, Serafim Gonzales, Benjamin Cattan, Luiz Tito, Rosamaria Murtinho, Fernando Peixoto, etc. Teatro Popular de Arte de Maria Della Costa Primeiro espetáculo de teatro profissional de Fernando Peixoto Espetáculos em Porto Alegre e Montevidéo (Teatro Solís) Também no elenco: Joaquim Guimarães, Joselita Alvarenga, Alba Faedrich, José Pupe, Osmar Lara, Ilema de Castro, Julio Prates, Glenio Peres, Rubens Teixeira, Edmundo Lopes 
1956 
• Hamlet 
De William Shakespeare Tradução: Tristão da Cunha Direção: Silva Ferreira Cenário e figurinos: Nelson Boeira Faedrich Coreografia da pantomima: Tony Seitz, Petzhold Canções de Ofélia: Nathon Henn Elenco: Athayde de Carvalho, Wilson Fragoso, Amilton Fernandes, Antonio Abujamra, Fábio Silveira, Ruy Paixão, Vinicius Salvatori, Fernando Peixoto (1° Ator e 1° Coveiro), Davi Camargo, Renato Ramos, Beatriz Regina e Themis Reverbel da Silveira Produção: Comédia da Província, Porto Alegre 



1955 
• Feliz Viagem a Trenton 
De Thornton Wilder Direção de Carlos Murtinho Elenco: Maria de Lourdes Aganostopoulos, Lúcia Mello, Fernando Peixoto, Nilton Carlos Scotti, Sérgio Ângelo, etc Teatro Universitário da União Estadual de Estudantes de Porto Alegre 
• O Muro (Le Mur) 
De Jean-Paul Sartre Direção: Carlos Murtinho Elenco: Antonio Abujamra, Fernando Peixoto, etc. Teatro Universitário da UEE, Porto Alegre 
• Uma Mulher e Três Palhaços (Voulez Vous Jouer Avec Moâ?) 
De Marcel Achard Direção: Silva Ferreira Tradução: Álvaro Moreyra Elenco: Fernando Peixoto, Lygia Beatriz Carotenutto, Antonio Abujamra, Nilton Carlos Scotti, Armando Piazza Filho, Killer Teatro Universitário da UEE, Porto Alegre 
1954 
• A Corda (The Rope) 
De Patrick Hamilton 



Direção: Silva Ferreira Cenário: Armando Piazza Filho Elenco: Fernando Peixoto, Silva Ferreira, Loris Melecchi, Fernando de Castro, Heloisa Martin, Vinicius Salvatori, Yetta Moreira Produção do Teatro do Estudante do Rio Grande do Sul (Porto Alegre e Interior do Estado) 
• O Noviço 
De Martins Penna Direção de Silva Ferreira Elenco: Loris Melecchi, Yetta Moreira, Fernando Peixoto, Heloisa Martin, Silva Ferreira, Vinicius Salvatori, Carlos Heitor, Angelica Panuncian, Boris Heinrich, Fernando de Castro Teatro do Estudante do Rio Grande do Sul (Capital e Interior do Estado) 
1953 
• Os Holandeses no Brasil 
De Padre José Solari No Colégio Anchieta, Porto Alegre Alunos: Fernando Peixoto, Pio Fiori de Azevedo, Ronaldo da Costa, Oscar F. Fontoura, José G. Dias, Raul Englert, Helmut Rudiger, etc. Estréia 30 de agosto de 1953 








Televisão (ator, autor, diretor, etc.) 
1999 
• Terra Nostra 
De Benedito Ruy Barbosa Direção: Jayme Momjardim Participação como ator (Funcionário I) no segundo capítulo Elenco: Raul Cortez, Ana Paula Arósio, Thiago Lacerda, Antonio Caloni, Paulo Figueiredo, Angela Vieira, Carlos Landucci, etc. TV Globo (Rio de Janeiro) Gravado no Porto de Santos em 19 de junho de 1999 Ainda no elenco: Bete Mendes, Lu Grimaldi, etc. 
1996 
• Antonio Alves,Taxista 
De Alberto Migré Direção: Jorge Montero Produção: Omar Romay (Argentina) para SBT (São Paulo) Tradução: Ronaldo Ciambroni Elenco: Fábio Jr., Guilhermina Guinle, Branca de Camargo, Rubens Caribé, Fernando Peixoto (Advogado Rogério Vargas Fandinho), Edney Giovenazzi, Antonio Abujamra, Eliete Cigarini, Serafim Gonzales, Bibi Vogel, Daniela Camargo, Rosali Papadopol, Vanessa Alves, Homero Kosak, etc. 
Gravado em Buenos Aires (Ronda Studios) em 1996 (co-produção Argentina / Brasil) 
1985 
• Senhora dos Afogados 
Peça de Nelson Rodrigues Adaptação para televisão: Carlos Queiroz Telles Direção: Antonio Abujamra Elenco: João José Pompeu, Françoise Fourton, Ciça Camargo, Fernando Peixoto, Hugo Rhodas, Paulo Gorgulho, etc. Produção: RTC Gravado em 1º de julho de 1985 
1983 
• Memórias de um Menino de Negócios 
Caso-verdade de José Antônio de Souza, adaptado do livro de Wilson Martins da Silva Direção: Attílio Riccó Cenografia e Figurinos: Luiz Fernando Elenco: Ulisses Bezerra, Georgia Gomide, Eduardo Abbas, Fernando Peixoto, Ivana Bonifácio, Cristina Medeiros, Flora Fernandes, Lilian Vizzacchero, Henrique Lisboa, Antonio Leite, Wander-ley Martins, Leonora Prado, Ricardo Ostrowere e outros (Personagem: Domingos) Produção da Rede Globo de Televisão, São Paulo (gravado em Águas de Lindóia, maio de 1983). Em 5 capítulos 
1982 
• O Tronco do Ipê 
Telerromance de Edmara Barbosa, adaptação livre de romance de José de Alencar Direção: Ítalo Morelli Produção: Marina Sú Câmera: Moacyr Suto Jr. (Patinhas) Cenografia e Figurinos: Tony Fernandes Elenco: Fúlvio Stefanini, Maria Isabel de Lisandra, Silvana Teixeira, Zaíra Bueno, Fernando Peixoto, Ivete Bonfá, Sebastião Campos, Felipe Dona-van, Zenaide Acaiabe, Ivana Bonifácio, Orlando Barros, Maria Fernanda, Tereza Convá, Luiz Zafaion, Maria Luiza Castelli, etc. (personagem: Conselheiro Lopes) Produção da Rádio Televisão Cultura São Paulo (gravado na Fazenda 3 Pedras, próximo a Campinas). Em 20 capítulos 
1981 
• Floradas na Serra 
Telerromance de Geraldo Vietri, baseado no romance de Dinah Silveira de Queiroz. Direção: Attílio Riccó Assistente de Direção: Emilio di Biasi Produção: Pedro Vieira Assistente de produção: Rosani Madeira Elenco: Bete Mendes, Carmem Menegal, Fernando Peixoto, Amauri Alvares, Walter Breda, Claudia de Castro, Cássia Lima, Sérgio Buck, Marcus Caruso, Elisabeth Hartmann, Ivette Bonfá, Cleyde Yáconis, Wilma Guerreiro, Déborah Seabra, Ed-son França, Edzel Britto, Silvana Teixeira, Emílio di Biasi, etc. Produção: RTC -Rádio Televisão Cultura, São Paulo (Gravado em Campos do Jordão) Em 20 Capítulos Papel: Bruno 
• Caiu na Vida 
Teleconto de Lucy Villares, baseado no conto de Miroel Silveira Direção de Attilio Riccó Assistente de direção: Fernando Peixoto Participação especial como ator: Fernando Peixoto (como Fagundes) Elenco: Marcus Caruso, Jussara Freira, Antonio Pitanga, Fernando Peixoto, Elza Maria, Sérgio Buck, Edson França, Marcos Frota, Andréa Leão, Zé Carlos Andrade, Lucila Rudge Telles, Sonia Samayo, Edzel Britto, etc. Produção RTC-Rádio Televisão Cultura, São Paulo. Em 5 capítulos 
• Puçanga 
Teleconto de Consuelo de Castro, baseado no conto Puçanga de Peregrino Júnior Direção: Attílio Riccó Assistente de direção: Fernando Peixoto Produção: Célia Regina Elenco: Fernando Peixoto, Amaury Alvares, Maria Isabel de Lisandra, Silvana Teixeira, Andréa Leão, Flávio Porto, Yara Lins, Jacques Militello, etc. Produção: RTC -Rádio Televisão Cultura, São Paulo. Em 5 capítulos Personagem: Meneses 
• O Resto é Silêncio 
Telerromance de Mário Prata inspirado no romance de Érico Veríssimo Direção: Arlindo Pereira Produção: Pedro Paulo Zuppo (coordenação geral), Eliane, Misaky e Rosane Madeira. Elenco: Fernando Peixoto, Carmem Monegal, Kate Hansen, Flávio Galvão, Edson França, Silvana Helena, Beth Caruso, Wilma de Aguilar, Maria Luiza Castelli, Oswaldo Campozana, Enio Gonçalves, Rodrigo Santiago, José Fernandes, Sérgio Buck, Walter Santos, Nair Cristina, etc. Personagem: Antonio Santiago. Produção: Rádio Televisão Cultura Em 20 Capítulos (participação nos 10 primeiros) 
• Maria Stuart 
Telerromance de Carlos Lombardi, adaptação livre da peça de Friedrich Schiller Direção: Edison Braga e Fernando Peixoto Produção: Pedro Paulo Zuppo e Pedro Vieira Elenco: Kate Hansen, Nathália Timberg, Diogo Vilela, Fernando Peixoto, Rita Cléos, Denise del Vecchi, Amaury Alvares, Nancy Galvão, Raimundo de Souza, Liana Duval, Walter Forster, Malú Pessin, Lélia Abramo Personagem: Jorge. Produção: Rádio Televisão Cultura São Paulo. Participação em 20 Capítulos 
1979 
• Um Grito Parado no Ar 
De Gianfrancesco Guarnieri Com direção de Paulo José, baseada na direção original de Fernando Peixoto Montagem na TV Globo Rio de Janeiro 
1976 
• Em Cima da Hora 
Texto de Paulo Pontes e Armando Costa Com direção de Fernando Peixoto Caso-verdade para a TV Globo Rio de Janeiro 
• O Sonho 
De Gianfrancesco Guarnieri Com direção de Fernando Peixoto Caso-verdade para a TV Globo Rio de Janeiro 
1975 
• Édipo Rei 
De Sófocles Texto de Fernando Peixoto com G. Guarnieri, adaptação para Caso Especial São Paulo 
• O Último dia de Lampião 
Texto de Fernando Peixoto com Maurice Capovila Com direção de M. Capovila Filmado pela Blimp Filmes, TV Globo, Rio de Janeiro 
1968 
BBC de Londres Fernando Peixoto é entrevistado na rádio 
1964 
• Toda Donzela tem um Pai que é uma Fera 
De Gláucio Gil Com direção de José Celso M. Correa Como ator (Fernando Peixoto) Canal 9, São Paulo 
• O Cimento 
De Gianfrancesco Guarnieri Com direção de Fernando Peixoto Gravado em videoteipe no canal 4 de Montevidéu, Uruguai 

Índice 
Apresentação – José Serra 5 Coleção Aplauso – Hubert Alquéres 7 Introdução 11 Primeiro o Cinema, depois o Fascínio pelo Teatro 15 Memórias do Teatro – Um Intruso Determinado 21 Revelando o Teatro 131 Bibliografia de Fernando Peixoto 137 História de uma Carreira 139 

Crédito das Fotografias 
Todas as fotografias pertencem ao acervo pessoal de Fernando Peixoto, salvo indicação em contrário 
Adriana Fritzen 206 Carlos 61, 74, 215 Folha da Tarde 46, 107 Jean Pierre Appy 157 João Caldas 156 Lenise Pinheiro 78 Luiz Sérgio 65 Patrícia Leeson 122, 123 Preto e Branco/Emerson 242 Richard Sasso 104 Simone de Almeida 203 
A despeito dos esforços de pesquisa empreendidos pela Editora para identificar a autoria das fotos expostas nesta obra, parte delas não é de autoria conhecida de seus organizadores. Agradecemos o envio ou comunicação de toda informação relativa à autoria e/ou a outros dados que porventura estejam incompletos, para que sejam devidamente creditados. 

Coleção Aplauso 
Série Cinema Brasil 
Alain Fresnot – Um Cineasta sem Alma 
Alain Fresnot 
Agostinho Martins Pereira – Um Idealista 
Máximo Barro 
O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias 
Roteiro de Cláudio Galperin, Bráulio Mantovani, Anna Muylaert e Cao Hamburger 
Anselmo Duarte – O Homem da Palma de Ouro 
Luiz Carlos Merten 
Antonio Carlos da Fontoura – Espelho da Alma 
Rodrigo Murat 
Ary Fernandes – Sua Fascinante História 
Antônio Leão da Silva Neto 
O Bandido da Luz Vermelha 
Roteiro de Rogério Sganzerla 
Batismo de Sangue 
Roteiro de Dani Patarra e Helvécio Ratton 
Bens Confiscados 
Roteiro comentado pelos seus autores Daniel Chaia e Carlos Reichenbach 
Braz Chediak – Fragmentos de uma vida 
Sérgio Rodrigo Reis 
Cabra-Cega 
Roteiro de Di Moretti, comentado por Toni Venturi e Ricardo Kauffman 
O Caçador de Diamantes 
Roteiro de Vittorio Capellaro, comentado por Máximo Barro 
Carlos Coimbra – Um Homem Raro 
Luiz Carlos Merten 
Carlos Reichenbach – O Cinema Como Razão de Viver 
Marcelo Lyra 
A Cartomante 
Roteiro comentado por seu autor Wagner de Assis 
Casa de Meninas 
Romance original e roteiro de Inácio Araújo 
O Caso dos Irmãos Naves 
Roteiro de Jean-Claude Bernardet e Luis Sérgio Person 
O Céu de Suely 
Roteiro de Karim Aïnouz, Felipe Bragança e Maurício Zacharias 
Chega de Saudade 
Roteiro de Luiz Bolognesi 
Cidade dos Homens 
Roteiro de Elena Soárez 
Como Fazer um Filme de Amor 
Roteiro escrito e comentado por Luiz Moura e José Roberto Torero 
O Contador de Histórias 
Roteiro de Mauricio Arruda, José Roberto Torero, Mariana Veríssimo e Luiz Villaça 
Críticas de B.J. Duarte – Paixão, Polêmica e Generosidade 
Org. Luiz Antônio Souza Lima de Macedo 
Críticas de Edmar Pereira – Razão e Sensibilidade 
Org. Luiz Carlos Merten 
Críticas de Jairo Ferreira – Críticas de invenção: Os Anos do São Paulo Shimbun 
Org. Alessandro Gamo 
Críticas de Luiz Geraldo de Miranda Leão – Analisando Cinema: Críticas de LG 
Org. Aurora Miranda Leão 
Críticas de Rubem Biáfora – A Coragem de Ser 
Org. Carlos M. Motta e José Júlio Spiewak 
De Passagem 
Roteiro de Cláudio Yosida e Direção de Ricardo Elias 
Desmundo 
Roteiro de Alain Fresnot, Anna Muylaert e Sabina Anzuategui 
Djalma Limongi Batista – Livre Pensador 
Marcel Nadale 
Dogma Feijoada: O Cinema Negro Brasileiro 
Jeferson De 
Dois Córregos 
Roteiro de Carlos Reichenbach 
A Dona da História 
Roteiro de João Falcão, João Emanuel Carneiro e Daniel Filho 
Os 12 Trabalhos 
Roteiro de Cláudio Yosida e Ricardo Elias 
Estômago 
Roteiro de Lusa Silvestre, Marcos Jorge e Cláudia da Natividade 
Fernando Meirelles – Biografia Prematura 
Maria do Rosário Caetano 
Fim da Linha 
Roteiro de Gustavo Steinberg e Guilherme Werneck; Storyboards de Fábio Moon e Gabriel Bá 
Fome de Bola – Cinema e Futebol no Brasil 
Luiz Zanin Oricchio 
Geraldo Moraes – O Cineasta do Interior 
Klecius Henrique 
Guilherme de Almeida Prado – Um Cineasta Cinéfilo 
Luiz Zanin Oricchio 
Helvécio Ratton – O Cinema Além das Montanhas 
Pablo Villaça 
O Homem que Virou Suco 
Roteiro de João Batista de Andrade, organização de Ariane Abdallah e Newton Cannito 
Ivan Cardoso – O Mestre do Terrir 
Remier 
João Batista de Andrade – Alguma Solidão e Muitas Histórias 
Maria do Rosário Caetano 
Jorge Bodanzky – O Homem com a Câmera 
Carlos Alberto Mattos 
José Antonio Garcia – Em Busca da Alma Feminina 
Marcel Nadale 
José Carlos Burle – Drama na Chanchada 
Máximo Barro 
Liberdade de Imprensa – O Cinema de Intervenção 
Renata Fortes e João Batista de Andrade 
Luiz Carlos Lacerda – Prazer & Cinema 
Alfredo Sternheim 
Maurice Capovilla – A Imagem Crítica 
Carlos Alberto Mattos 
Mauro Alice – Um Operário do Filme 
Sheila Schvarzman 
Miguel Borges – Um Lobisomem Sai da Sombra 
Antônio Leão da Silva Neto 
Não por Acaso 
Roteiro de Philippe Barcinski, Fabiana Werneck Barcinski e Eugênio Puppo 
Narradores de Javé 
Roteiro de Eliane Caffé e Luís Alberto de Abreu 
Onde Andará Dulce Veiga 
Roteiro de Guilherme de Almeida Prado 
Orlando Senna – O Homem da Montanha 
Hermes Leal 
Pedro Jorge de Castro – O Calor da Tela 
Rogério Menezes 
Quanto Vale ou É por Quilo 
Roteiro de Eduardo Benaim, Newton Cannito e Sergio Bianchi 
Ricardo Pinto e Silva – Rir ou Chorar 
Rodrigo Capella 
Rodolfo Nanni – Um Realizador Persistente 
Neusa Barbosa 
Salve Geral 
Roteiro de Sérgio Rezende e Patrícia Andrade 
O Signo da Cidade 
Roteiro de Bruna Lombardi 
Ugo Giorgetti – O Sonho Intacto 
Rosane Pavam 
Vladimir Carvalho – Pedras na Lua e Pelejas no Planalto 
Carlos Alberto Mattos 
Viva-Voz 
Roteiro de Márcio Alemão 
Zuzu Angel 
Roteiro de Marcos Bernstein e Sergio Rezende 
Série Cinema 
Bastidores – Um Outro Lado do Cinema 
Elaine Guerini 
Série Ciência & Tecnologia 
Cinema Digital – Um Novo Começo? 
Luiz Gonzaga Assis de Luca 
A Hora do Cinema Digital – Democratização e Globalização do Audiovisual 
Luiz Gonzaga Assis de Luca 
Série Crônicas 
Crônicas de Maria Lúcia Dahl – O Quebra-cabeças 
Maria Lúcia Dahl 
Série Dança 
Rodrigo Pederneiras e o Grupo Corpo – Dança Universal 
Sérgio Rodrigo Reis 
Série Teatro Brasil 
Alcides Nogueira – Alma de Cetim 
Tuna Dwek 
Antenor Pimenta – Circo e Poesia 
Danielle Pimenta 
Cia de Teatro Os Satyros – Um Palco Visceral 
Alberto Guzik 
Críticas de Clóvis Garcia – A Crítica Como Oficio 
Org. Carmelinda Guimarães 
Críticas de Maria Lucia Candeias – Duas Tábuas e Uma Paixão 
Org. José Simões de Almeida Júnior 
Federico García Lorca – Pequeno Poema Infinito 
Roteiro de José Mauro Brant e Antonio Gilberto 
João Bethencourt – O Locatário da Comédia 
Rodrigo Murat 
Leilah Assumpção – A Consciência da Mulher 
Eliana Pace 
Luís Alberto de Abreu – Até a Última Sílaba 
Adélia Nicolete 
Maurice Vaneau – Artista Múltiplo 
Leila Corrêa 
Renata Palottini – Cumprimenta e Pede Passagem 
Rita Ribeiro Guimarães 
Teatro Brasileiro de Comédia – Eu Vivi o TBC 
Nydia Licia 
O Teatro de Alcides Nogueira – Trilogia: Ópera Joyce – Gertrude Stein, Alice Toklas & Pablo Picasso – Pólvora e Poesia 
Alcides Nogueira 
O Teatro de Ivam Cabral – Quatro textos para um teatro veloz: Faz de Conta que tem Sol lá Fora – Os Cantos de Maldoror – De Profundis – A Herança do Teatro 
Ivam Cabral 
O Teatro de Noemi Marinho: Fulaninha e Dona Coisa, Homeless, Cor de Chá, Plantonista Vilma 
Noemi Marinho 
Teatro de Revista em São Paulo – De Pernas para o Ar 
Neyde Veneziano 
O Teatro de Samir Yazbek: A Entrevista – O Fingidor – A Terra Prometida 
Samir Yazbek 
Teresa Aguiar e o Grupo Rotunda – Quatro Décadas em Cena 
Ariane Porto 
Série Perfil 
Aracy Balabanian – Nunca Fui Anjo 
Tania Carvalho 
Arllete Montenegro – Fé, Amor e Emoção 
Alfredo Sternheim 
Ary Fontoura – Entre Rios e Janeiros 
Rogério Menezes 
Bete Mendes – O Cão e a Rosa 
Rogério Menezes 
Betty Faria – Rebelde por Natureza 
Tania Carvalho 
Carla Camurati – Luz Natural 
Carlos Alberto Mattos 
Cecil Thiré – Mestre do seu Ofício 
Tania Carvalho 
Celso Nunes – Sem Amarras 
Eliana Rocha 
Cleyde Yaconis – Dama Discreta 
Vilmar Ledesma 
David Cardoso – Persistência e Paixão 
Alfredo Sternheim 
Denise Del Vecchio – Memórias da Lua 
Tuna Dwek 
Elisabeth Hartmann – A Sarah dos Pampas 
Reinaldo Braga 
Emiliano Queiroz – Na Sobremesa da Vida 
Maria Leticia 
Etty Fraser – Virada Pra Lua 
Vilmar Ledesma 
Ewerton de Castro – Minha Vida na Arte: Memória e Poética 
Reni Cardoso 
Fernanda Montenegro – A Defesa do Mistério 
Neusa Barbosa 
Geórgia Gomide – Uma Atriz Brasileira 
Eliana Pace 
Gianfrancesco Guarnieri – Um Grito Solto no Ar 
Sérgio Roveri 
Glauco Mirko Laurelli – Um Artesão do Cinema 
Maria Angela de Jesus 
Ilka Soares – A Bela da Tela 
Wagner de Assis 
Irene Ravache – Caçadora de Emoções 
Tania Carvalho 
Irene Stefania – Arte e Psicoterapia 
Germano Pereira 
Isabel Ribeiro – Iluminada 
Luis Sergio Lima e Silva 
Joana Fomm – Momento de Decisão 
Vilmar Ledesma 
John Herbert – Um Gentleman no Palco e na Vida 
Neusa Barbosa 
Jonas Bloch – O Ofício de uma Paixão 
Nilu Lebert 
José Dumont – Do Cordel às Telas 
Klecius Henrique 
Leonardo Villar – Garra e Paixão 
Nydia Licia 
Lília Cabral – Descobrindo Lília Cabral 
Analu Ribeiro 
Lolita Rodrigues – De Carne e Osso 
Eliana Castro 
Louise Cardoso – A Mulher do Barbosa 
Vilmar Ledesma 
Marcos Caruso – Um Obstinado 
Eliana Rocha 
Maria Adelaide Amaral – A Emoção Libertária 
Tuna Dwek 
Marisa Prado – A Estrela, O Mistério 
Luiz Carlos Lisboa 
Mauro Mendonça – Em Busca da Perfeição 
Renato Sérgio 
Miriam Mehler – Sensibilidade e Paixão 
Vilmar Ledesma 
Nicette Bruno e Paulo Goulart – Tudo em Família 
Elaine Guerrini 
Nívea Maria – Uma Atriz Real 
Mauro Alencar e Eliana Pace 
Niza de Castro Tank – Niza, Apesar das Outras 
Sara Lopes 
Paulo Betti – Na Carreira de um Sonhador 
Teté Ribeiro 
Paulo José – Memórias Substantivas 
Tania Carvalho 
Pedro Paulo Rangel – O Samba e o Fado 
Tania Carvalho 
Regina Braga – Talento é um Aprendizado 
Marta Góes 
Reginaldo Faria – O Solo de Um Inquieto 
Wagner de Assis 
Renata Fronzi – Chorar de Rir 
Wagner de Assis 
Renato Borghi – Borghi em Revista 
Élcio Nogueira Seixas 
Renato Consorte – Contestador por Índole 
Eliana Pace 
Rolando Boldrin – Palco Brasil 
Ieda de Abreu 
Rosamaria Murtinho – Simples Magia 
Tania Carvalho 
Rubens de Falco – Um Internacional Ator Brasileiro 
Nydia Licia 
Ruth de Souza – Estrela Negra 
Maria Ângela de Jesus 
Sérgio Hingst – Um Ator de Cinema 
Máximo Barro 
Sérgio Viotti – O Cavalheiro das Artes 
Nilu Lebert 
Silvio de Abreu – Um Homem de Sorte 
Vilmar Ledesma 
Sônia Guedes – Chá das Cinco 
Adélia Nicolete 
Sonia Maria Dorce – A Queridinha do meu Bairro 
Sonia Maria Dorce Armonia 
Sonia Oiticica – Uma Atriz Rodrigueana? 
Maria Thereza Vargas 
Suely Franco – A Alegria de Representar 
Alfredo Sternheim 
Tatiana Belinky – ... E Quem Quiser Que Conte Outra 
Sérgio Roveri 
Tony Ramos – No Tempo da Delicadeza 
Tania Carvalho 
Umberto Magnani – Um Rio de Memórias 
Adélia Nicolete 
Vera Holtz – O Gosto da Vera 
Analu Ribeiro 
Vera Nunes – Raro Talento 
Eliana Pace 
Walderez de Barros – Voz e Silêncios 
Rogério Menezes 
Zezé Motta – Muito Prazer 
Rodrigo Murat 
Especial 
Agildo Ribeiro – O Capitão do Riso 
Wagner de Assis 
Beatriz Segall – Além das Aparências 
Nilu Lebert 
Carlos Zara – Paixão em Quatro Atos 
Tania Carvalho 
Cinema da Boca – Dicionário de Diretores 
Alfredo Sternheim 
Dina Sfat – Retratos de uma Guerreira 
Antonio Gilberto 
Eva Todor – O Teatro de Minha Vida 
Maria Angela de Jesus 
Eva Wilma – Arte e Vida 
Edla van Steen 
Gloria in Excelsior – Ascensão, Apogeu e Queda do Maior Sucesso da Televisão Brasileira 
Álvaro Moya 
Lembranças de Hollywood 
Dulce Damasceno de Britto, organizado por Alfredo Sternheim 
Maria Della Costa – Seu Teatro, Sua Vida 
Warde Marx 
Ney Latorraca – Uma Celebração 
Tania Carvalho 
Raul Cortez – Sem Medo de se Expor 
Nydia Licia 
Rede Manchete – Aconteceu, Virou História 
Elmo Francfort 
Sérgio Cardoso – Imagens de Sua Arte 
Nydia Licia 
Tônia Carrero – Movida pela Paixão 
Tania Carvalho 
TV Tupi – Uma Linda História de Amor 
Vida Alves 
Victor Berbara – O Homem das Mil Faces 
Tania Carvalho 
Walmor Chagas – Ensaio Aberto para Um Homem Indignado 
Djalma Limongi Batista 
Formato: 12 x 18 cm Tipologia: Frutiger Papel miolo: Offset LD 90 g/m2 Papel capa: Triplex 250 g/m2 Número de páginas: 272 Editoração, CTP, impressão e acabamento: 
Imprensa Oficial do Estado de São Paulo 

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2009 
 Dados Internacionais de Catalogação na Publicação Biblioteca da Imprensa Oficial do Estado de São Paulo 
Balbi, Marilia 
   Fernando Peixoto: em cena aberta / Marilia Balbi – São Paulo : Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, 2009. 
   272p. : il. – (Coleção aplauso. Série perfil / Coordenador geral Rubens Ewald Filho) 
   ISBN 978-85-7060-784-3 
   1. Teatro – Brasil – História e crítica. 2. Teatro – Produtores e Diretores – Biografia 3. Teatro - Literatura 4. Peixoto, Fernando, 1937. I. Ewald Filho, Rubens II. Título. 
III. Série. CDD 792.098 1 
Índices para catálogo sistemático: 
1.  Teatro brasileiro : História e crítica 792.098 1 
2.  Teatro : Literatura : História e crítica 809.2 

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